Moda

Amandine Ohayon asumirá la dirección de Givenchy en enero de 2026 y Alessandro Valenti liderará el área comercial de Christian Dior Couture.

El Tiempo

El consumo de frutas y verduras es clave, al igual que retomar la actividad física.

El Tiempo

La moda se convirtió en un lenguaje de identidad y orgullo cultural en Ipiales con la presentación de la colección “Raíz Dorada – Premium Line”, de la diseñadora pastusa Flor Imbacuan y su marca Hatsu Moda. Construida durante un año, esta colección evoca los orígenes y raíces del suroccidente colombiano, fusionando tradición y modernidad para […] La entrada Raíz Dorada: La moda que conquista Ipiales se publicó primero en Diario del Cauca.

Diario del Cauca

La moda se convirtió en un lenguaje de identidad y orgullo cultural en Ipiales con la presentación de la colección “Raíz Dorada – Premium Line”, de la diseñadora pastusa Flor Imbacuan y su marca Hatsu Moda. Construida durante un año, esta colección evoca los orígenes y raíces del suroccidente colombiano, fusionando tradición y modernidad para […] La entrada Raíz Dorada: La moda que conquista Ipiales se publicó primero en Diario del Sur.

Diario del Sur

La industria colombiana de moda de compresión es la más fuerte de América Latina, y la segunda a nivel mundial, en exportaciones

La República

¿Podría Shein ser suspendida en Francia? El gigante chino está bajo creciente escrutinio por vender productos controvertidos, como muñecas sexuales de aspecto infantil y armas blancas. La marca de moda ultrarrápida abrió su primera tienda física en el BHV, uno de los icónicos almacenes de París. Las marcas de moda francesas denuncian competencia desleal en un sector en crisis: una de cada dos empresas minoristas enfrenta graves dificultades, con 37.000 empleos perdidos en la última década.

France 24

Nadia Kokni Créditos: Puma Puma ha nombrado a Nadia Kokni para el cargo de Vice President Global Brand Marketing. Kokni ha asumido la dirección de marketing con efecto a partir del uno de enero, según ha comunicado el jueves la marca deportiva con sede en Herzogenaurach. En este puesto, reportará directamente a la Chief Brand Officer, Maria Valdes. En su nuevo cargo, dirigirá la estrategia mundial de marketing de marca, la dirección creativa del marketing de marca, así como el marketing integrado y la comunicación. Sucede a Richard Teyssier, que ha decidido dejar Puma “para aceptar nuevos retos fuera de la empresa”. “Nadia es una experta en marketing de talla mundial que ha demostrado que puede construir marcas globales modernas a través de la claridad estratégica, la excelencia creativa y la relevancia cultural”, dijo Valdes. “Su nombramiento llega en un momento importante para Puma, ya que estamos conectando aún más estrechamente el desarrollo de productos y el storytelling”. La nueva directora de marketing aporta una amplia experiencia internacional en la creación y transformación de marcas líderes a nivel mundial en los sectores del deporte, la moda y el lifestyle. Ocupó, entre otros, puestos directivos en marcas y distribuidores de moda como JD Sports, H&M, Adidas y Tommy Hilfiger. Más recientemente, trabajó para el grupo de moda Hugo Boss, con sede en Metzingen, como Senior Vice President of Global Marketing & Communications. Su nombramiento se produce tras la decisión de Puma de unificar las áreas de marketing de marca, producto, dirección creativa, innovación y go-to-market en una única organización global bajo la dirección de Valdes. Además de Kokni, Levin Reyher también forma parte ahora del equipo de marketing de Puma. Ocupa el cargo de Senior Director Marketing Europe. Este artículo fue originalmente publicado en otro idioma dentro de la red internacional de FashionUnited y después traducido al español usando una herramienta de inteligencia artificial. FashionUnited ha implementado herramientas de inteligencia artificial para agilizar la traducción de artículos entre nuestras plataformas, pues contamos con una red global de periodistas activos en más de 30 mercados, ofreciendo inteligencia empresarial y los contenidos más recientes en 9 idiomas. Esto permite que nuestros periodistas puedan dedicar más tiempo a la investigación y redacción de artículos originales. Los artículos traducidos con ayuda de IA son siempre revisados y editados por un editor humano antes de su publicación. Si tienes preguntas o comentarios sobre este proceso, escríbenos a info@fashionunited.com

Fashion United

Casa Loewe Ginza, Tokio (Japón). Credits: Loewe. Madrid – La histórica y emblemática casa española Loewe acaba de abrir las puertas de su nueva “flagship store” de Japón. Una asombrosa “boutique” ubicada en Tokio, la capital del país, que se descubre como ya no solamente la tienda más grande con la que ha pasado a contar la firma en el estratégico mercado japonés, sino también en toda Asia y a nivel global, únicamente por detrás de la tienda insignia con la cuenta la marca española en pleno corazón del barrio de Salamanca de Madrid. Situada en el cruce entre la calle Miyuki-dori y la avenida Chūō-dōri, la principal avenida del exclusivo distrito de Ginza de Tokio, la tienda cuenta con unos 965 metros cuadrados de superficie de venta, estructurados en torno a un total de cuatro plantas en altura. Una superficie muy cercana, aunque ligeramente por debajo, de los cerca de 1 000 metros cuadrados con los que cuenta la “flagship store” de Loewe en Madrid, en el número 34 de la calle de Serrano, y en contra por encima de los cerca de 695 metros cuadrados con los que dispone su tienda de la ciudad china de Shanghái. Un establecimiento este último inaugurado por la marca española a comienzos de 2025, y que se mantenía desde entonces, y hasta esta nueva apertura en Japón, como la tienda más grande de Loewe de toda Asia. Casa Loewe Ginza, Tokio (Japón). Credits: Loewe. Llegando de este modo para ocupar esa posición, además de la de la segunda tienda más grande de la marca en todo el mundo, solamente por detrás de la “boutique” de Madrid, la nueva tienda de Loewe en Tokio abría las puertas al público a comienzos de este pasado mes de diciembre, llegando así para tratar de capitalizar para la marca toda esta última campaña de Navidad. Unas fechas tras las cuales desde la dirección de la firma española se han decidido a finalmente ya anunciar, de manera oficial, la inauguración de esta nueva tienda, con cuya apertura vuelven a dar muestras de cómo la marca mantiene por objetivo seguir construyendo su nuevo capítulo bajo la dirección creativa de Jack McCollough y Lazaro Hernandez bebiendo y creciendo sobre todo el legado construido durante su etapa bajo la dirección creativa del británico Jonathan Anderson, a día de hoy ya el flamante nuevo director creativo de Dior; al igual que Loewe una de las principales marcas en cartera del holding multinacional francés especializado en bienes de lujo LVMH. Entre prendas de moda, obras de arte y palmeritas de hojaldre Siguiendo precisamente con las directrices del nuevo concepto de tienda que Loewe estrenaba, de la mano de Anderson, en 2016 con la renovación y apertura de su tienda en Madrid, la nueva tienda de la marca en Tokio se presenta bajo el mismo modelo “Casa Loewe” que veía la luz entonces en la capital de España. Un concepto de tienda que desde aquel momento se ha tratado de desarrollar por la marca para cada nueva apertura, que ahora se ha implementado para esta nueva “Casa Loewe Ginza”, y modelo de tienda que se caracteriza por tratar de “recrear” como base para la experiencia de compra de los clientes, los distintos ambientes de una idealizada casa de un coleccionista de arte. Casa Loewe Ginza, Tokio (Japón). Credits: Loewe. Casa Loewe Ginza, Tokio (Japón). Credits: Loewe. Casa Loewe Ginza, Tokio (Japón). Credits: Loewe. Bajo esta inspiradora atmósfera, con la que se pretende ya no solamente elevar la experiencia de compra de los clientes, sino a su vez la propia identidad de la oferta comercial de Loewe y su valor como reflejo de una producción artesanal y cuidada, en el interior de esta nueva tienda de Ginza la marca ha pasado a ofrecer una amplia selección de productos de sus colecciones de prêt-à-porter, bolsos, zapatos, joyería, gafas, fragancias, pequeña marroquinería y accesorios, para tanto mujer, hombre y la categoría de hogar. Productos de moda y de estilo de vida, que se han reunido y se presentan acompañados de piezas de mobiliario de diseño y de obras de arte y de artesanía, firmadas por la mano de reconocidos artistas como Lucie Rie, Eliot Hodgkin, Albert York, George Nakashima y Gerrit Rietveld. Nombres de entre los que se destacan los de artesanos contemporáneos japoneses como Hafu Matsumoto, Kazunori Hamana, Yukiko Kuroda y Kunimasa Aoki, ganador de la última edición del Loewe Foundation Craft Prize de 2025. Casa Loewe Ginza, Tokio (Japón). Credits: Loewe. Apoyando esta exposición, de piezas de su oferta comercial y de obras de arte, nos encontramos con un delicadísimo interiorismo, desde el que la firma ha salido a entablar un diálogo directo entre su propia identidad como marca española, y la sensibilidad artística japonesa y la propia herencia cultural del país y de este distrito de Ginza. Un barrio que ha servido de punto de partida para la concepción de esta nueva “Casa Loewe” de Tokio, construida a partir de una envolvente de ladrillos cerámicos vidriados, elaborados de manera artesanal en una clara referencia a los orígenes españoles de Loewe como casa especializada en el trabajo manual del cuero, pero en verde-agua que lo que hace referencia es a los orígenes de Ginza como un terreno de marisma durante el periodo Edo. Un pasado geográfico que se ha buscado materializar igualmente en el interior de la tienda, tanto mediante el uso de esa misma entonación en verde-agua de los azulejos, como de líneas orgánicas y acabados en espejo y en entonaciones arcilla que, en su conjunto, llegan para tratar de recrear las sinfonías cromáticas idealizadas de aquellas antiguas marismas. Casa Loewe Ginza, Tokio (Japón). Credits: Loewe. Casa Loewe Ginza, Tokio (Japón). Credits: Loewe. Casa Loewe Ginza, Tokio (Japón). Credits: Loewe. Completando la oferta de la tienda, y su experiencia de compra, en su última y cuarta planta además se ha dispuesto un espacio para la personalización de bolsos y de “charms”, un rincón de aromas para el hogar, y el primer “córner” para regalos de Loewe del mundo. Un espacio desde el que además de ofrecer durante estas fiestas una cuidada selección de productos, la casa española ha llevado también hasta Japón el sabor de los dulces más típicos de España y de Madrid, con la venta de polvorones, palmeritas y bombones de chocolate. Una dulce oferta, que con motivo de la inauguración de la tienda se completó con una producción en edición limitada de galletas elaboradas por el repostero japonés Fiocco, conocido en el país nipón por sus originales galletitas glaseadas, que en esta ocasión tomaron la forma de cajas de Loewe y de algunos de sus diseños más conocidos, como el bolso Puzzle o el “Hammock Flip”, para el que Loewe ha lanzado un nuevo color para celebrar la inauguración de esta nueva tienda de Ginza. En resumenLoewe ha inaugurado su nueva "flagship store" en Ginza, Tokio, convirtiéndose en la tienda más grande de la marca en Asia y la segunda a nivel mundial, solo superada por la de Madrid.La tienda sigue el concepto "Casa Loewe", recreando el ambiente de una casa de un coleccionista de arte con una cuidada selección de productos, mobiliario de diseño y obras de arte de artistas reconocidos, incluyendo artesanos japoneses contemporáneos.El diseño interior de la tienda fusiona la identidad española de Loewe con la sensibilidad artística japonesa, utilizando ladrillos cerámicos vidriados en verde-agua que evocan los orígenes de Ginza como marisma, y ofrece servicios exclusivos como personalización de bolsos y un "córner" de regalos con dulces típicos españoles. También te puede interesar: La “huella española” en Paris Fashion Week: sin Loewe ni Juana Martín, y con Camperlab y el debut de Sonia Carrasco. Loewe estrena “flagship store” en París. McCollough y Hernandez abrazan el legado de Anderson en su debut para Loewe.

Fashion United

El fabricando de productos para el cabello perdió más de 90% de su valor desde su oferta pública inicial en 2021

La República

JD Sports, tienda insignia de Vancouver. Créditos: JD Sports. JD Group, la empresa matriz del gigante de la ropa deportiva JD Sports, ha confirmado la salida de su director general, Michael Armstrong. Posteriormente, ha anunciado el ascenso de Paul Orange como nuevo director general de JD EMEA (Reino Unido, Europa, Oriente Medio y África). La salida de Armstrong se produce más de treinta años después de su incorporación a JD y tres años después de que asumiera el cargo de director general. En un comunicado a FashionUnited, JD ha declarado que Armstrong “buscará otras oportunidades”. “Agradecemos sinceramente a Michael su compromiso, liderazgo y contribución a JD”, continuaba el comunicado. Tras su marcha, la empresa parece estar dividiendo las funciones de Armstrong. Orange, que había sido director general de JD para EMEA, asumirá ahora la plena responsabilidad de la región, liderando las áreas de compras, marca propia y marketing, junto con los responsables de merchandising, digital, funciones de apoyo y los directores de cada país. La empresa ha declarado que Orange “aporta más de 20 años de experiencia en JD y ha sido una pieza clave en nuestra trayectoria de crecimiento, desempeñando un papel de liderazgo fundamental en nuestra primera expansión europea”. Su ascenso se produce en medio de un prolongado periodo de expansión para JD, que, a lo largo de 2025, ha buscado aumentar su presencia en Estados Unidos, así como en Europa Central y del Este, donde ahora opera más de 65 tiendas a fecha de julio de 2025. En este periodo también se ha lanzado una nueva plataforma de comercio electrónico en Italia, junto con la apertura de un centro de distribución en los Países Bajos, diseñado para reforzar la capacidad de sus tiendas europeas. Este artículo fue originalmente publicado en otro idioma dentro de la red internacional de FashionUnited y después traducido al español usando una herramienta de inteligencia artificial. FashionUnited ha implementado herramientas de inteligencia artificial para agilizar la traducción de artículos entre nuestras plataformas, pues contamos con una red global de periodistas activos en más de 30 mercados, ofreciendo inteligencia empresarial y los contenidos más recientes en 9 idiomas. Esto permite que nuestros periodistas puedan dedicar más tiempo a la investigación y redacción de artículos originales. Los artículos traducidos con ayuda de IA son siempre revisados y editados por un editor humano antes de su publicación. Si tienes preguntas o comentarios sobre este proceso, escríbenos a info@fashionunited.com

Fashion United

El showroom de Hugo Boss en Metzingen, Alemania Créditos: Hugo Boss El grupo de moda de Metzingen, Hugo Boss, ha nombrado a Kerstin Dorst para el recién creado puesto de Senior Vice President Business Unit Womenswear. Dorst asumirá su nuevo cargo el 15 de enero, según ha anunciado Hugo Boss este jueves. En este puesto, reportará a Oliver Timm, director de ventas (Chief Sales Officer) de Hugo Boss. La nueva directora de moda femenina procede de Tory Burch Procede de la firma de moda estadounidense Tory Burch, donde trabajó durante más de diez años y desempeñó “un papel fundamental” en la expansión de la colección principal y la línea de ropa deportiva de la marca, según el comunicado. Anteriormente, trabajó durante más de cinco años para la marca de ropa deportiva Adidas, con sede en Herzogenaurach, ocupando diversos cargos en Alemania y Asia. Allí contribuyó, entre otras cosas, al lanzamiento de la línea de ropa deportiva prémium SLVR. “Su amplia experiencia internacional y sus sólidos conocimientos desempeñarán un papel fundamental para llevar nuestro negocio de moda femenina al siguiente nivel en los próximos años”, ha declarado Timm sobre Dorst, quien también será responsable de la dirección creativa de las colecciones de moda femenina y trabajará en estrecha colaboración con Marco Falcioni, director creativo de Hugo Boss. Este nombramiento se produce tras la reorganización de la estructura organizativa presentada en diciembre bajo el nombre de “Claim 5 Touchdown”. El objetivo es posicionar las líneas de moda masculina y femenina como dos “potentes unidades de negocio independientes” y aprovechar así el potencial de crecimiento rentable que la empresa ve especialmente en la moda femenina. “Con la nueva estructura organizativa, estamos reajustando nuestras unidades de negocio para agudizar aún más nuestro enfoque en la moda femenina y sentar las bases para el crecimiento futuro”, continuó Timm. “Esta nueva configuración nos permite tener aún más en cuenta las necesidades específicas de cada género y ofrecer en el futuro colecciones en ambas áreas con un enfoque sistemáticamente centrado en el cliente”. El negocio de moda masculina de la marca Boss seguirá siendo dirigido por Christian Schwinn. Además, asumirá la responsabilidad de la línea masculina de Hugo como Senior Vice President Business Unit Menswear. Este artículo fue originalmente publicado en otro idioma dentro de la red internacional de FashionUnited y después traducido al español usando una herramienta de inteligencia artificial. FashionUnited ha implementado herramientas de inteligencia artificial para agilizar la traducción de artículos entre nuestras plataformas, pues contamos con una red global de periodistas activos en más de 30 mercados, ofreciendo inteligencia empresarial y los contenidos más recientes en 9 idiomas. Esto permite que nuestros periodistas puedan dedicar más tiempo a la investigación y redacción de artículos originales. Los artículos traducidos con ayuda de IA son siempre revisados y editados por un editor humano antes de su publicación. Si tienes preguntas o comentarios sobre este proceso, escríbenos a info@fashionunited.com

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Polène - Tienda de Milán. Créditos: Polène La firma francesa de marroquinería Polène continúa su expansión internacional con la apertura de su primer punto de venta físico en Italia. Ubicada en el Quadrilatero della Moda de Milán, a pocos pasos del Hotel Armani, esta nueva dirección ilustra la voluntad de reforzar la presencia de la marca en los mercados europeos estratégicos. Un diseño arquitectónico inspirado en la identidad local Para este proyecto milanés, Polène ha colaborado con el estudio Norm Architects, también responsable de la Kinfolk Gallery de Copenhague y de una tienda de la marca de calzado danesa Notabene. La tienda ha sido concebida en torno a una dualidad típicamente milanesa: una fachada sobria que da paso a un interior ricamente trabajado. El recorrido del cliente está estructurado como una secuencia de espacios, proponiendo una progresión sensorial a través de diferentes materiales. El diseño interior destaca una gradación de texturas y colores, que van desde la piedra a la madera, para terminar en la cerámica. Una elección de materiales pensada para reflejar la exploración desde la materia prima hasta el producto acabado, el eje central de la identidad de Polène. Polène, tienda de Milán. Créditos: Polène El espacio de venta integra además elementos que rinden homenaje a la artesanía de Ubrique, en España, donde se confeccionan los artículos de la marca. Mientras que un espacio bautizado como “Leather Orchestra” pone de relieve la identidad artesanal de la marca a través de una performance interactiva que combina sonido y materia. Finalmente, y al igual que muchas flagships abiertas recientemente, la tienda de Polène ha integrado en su escenografía un elemento artístico: la creación de una obra de cerámica de la artista italiana Clara Graziolino. Desarrollo estratégico Fundada en 2016 por Mathieu, Elsa y Antoine Mothay, bisnietos del fundador de la marca Saint James, Polène ha experimentado un rápido crecimiento, apoyándose en un estudio de creación parisino y una red de más de 2,200 artesanos para consolidar su posicionamiento como marca de lujo accesible de alta gama. Su best-seller es el modelo Cyme, un bolso cabas de piel que recuerda la forma de una cesta y se vende por entre 350 euros y 590 euros en su versión de malla. Su modelo DtoC se apoya hoy en una decena de tiendas propias, incluido un corner en Le Bon Marché. Tras implantarse en París, Nueva York, Tokio, Seúl, Londres, Hamburgo y ahora Milán, la marca también está considerando una posible apertura en Ámsterdam, en los Países Bajos. En 2023, la empresa registró 142,7 millones de euros de facturación, según informó el periódico Le Monde. Un año después, en 2024, L Catterton, el fondo de inversión de LVMH, adquirió una participación minoritaria en Polène. Más allá de la marroquinería, Polène ha diversificado sus actividades: Joyería: introducción en 2023 de líneas fabricadas en Italia y bañadas en oro de 24 quilates. Circularidad: lanzamiento de la Colección Plèi, que utiliza los recortes de piel para crear objetos de artesanía o piezas de decoración. Polène, tienda de Milán. Créditos: Polène Este artículo fue originalmente publicado en otro idioma dentro de la red internacional de FashionUnited y después traducido al español usando una herramienta de inteligencia artificial. FashionUnited ha implementado herramientas de inteligencia artificial para agilizar la traducción de artículos entre nuestras plataformas, pues contamos con una red global de periodistas activos en más de 30 mercados, ofreciendo inteligencia empresarial y los contenidos más recientes en 9 idiomas. Esto permite que nuestros periodistas puedan dedicar más tiempo a la investigación y redacción de artículos originales. Los artículos traducidos con ayuda de IA son siempre revisados y editados por un editor humano antes de su publicación. Si tienes preguntas o comentarios sobre este proceso, escríbenos a info@fashionunited.com

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Tienda de Marks & Spencer en España Credits: La Vaguada Shopping Center Mientras Marks and Spencer Group PLC (M&S) celebraba unas Navidades récord en su división de Alimentación, el segmento de Moda, Hogar y Belleza (FHB, por sus siglas en inglés) afrontó un entorno comercial más complejo durante las 13 semanas que finalizaron el 27 de diciembre de 2025. La compañía señaló que el segmento FHB de M&S está atravesando actualmente la "fase final de recuperación" como parte de la estrategia de crecimiento más amplia de la empresa. Durante el período de 13 semanas, la división registró una disminución del -2,5 por ciento en las ventas totales, alcanzando 1,3 millones de libras, mientras que las ventas comparables cayeron un -2,9 por ciento. Este rendimiento estuvo fuertemente influenciado por un entorno externo desafiante, caracterizado por una confianza del consumidor frágil y un clima inusualmente templado, además de una menor afluencia en las calles comerciales. Asimismo, el negocio tuvo que gestionar un "impacto prolongado" en los datos de inventario y la gestión derivado de un incidente operativo ocurrido a principios de año. El director ejecutivo, Stuart Machin, indicó que el negocio está "volviendo a encarrilarse". El enfoque para el próximo año implica acelerar la estrategia de reestructuración mediante la transformación de la experiencia online y la mejora de las cadenas de suministro para garantizar que el negocio de Moda siga siendo competitivo en un entorno incierto. Durante el período analizado, a pesar de los obstáculos mencionados, la división experimentó un retorno significativo al crecimiento en sus canales online, lo que ayudó a compensar el descenso en las ventas de tiendas físicas. M&S logró recuperar el liderazgo en cuota de mercado durante este período, alcanzando la primera posición en percepción del cliente en estilo, calidad y valor. Para gestionar el inventario, la compañía planificó unas rebajas de mayor envergadura en diciembre; aunque los niveles de stock fueron superiores a los del año anterior, las tasas de venta se mantuvieron sólidas, despejando el camino para las líneas de la nueva temporada. La "estrategia de rotación de tiendas" físicas de la marca también mostró un impulso positivo, con nuevas ubicaciones como Bristol Cabot Circus superando las expectativas iniciales. De cara a 2026, la dirección sigue centrada en reforzar el valor, la calidad y el estilo en sus nuevas colecciones, al tiempo que continúa transformando la experiencia online y mejorando la eficiencia de la cadena de suministro. Este artículo fue originalmente publicado en otro idioma dentro de la red internacional de FashionUnited y después traducido al español usando una herramienta de inteligencia artificial. FashionUnited ha implementado herramientas de inteligencia artificial para agilizar la traducción de artículos entre nuestras plataformas, pues contamos con una red global de periodistas activos en más de 30 mercados, ofreciendo inteligencia empresarial y los contenidos más recientes en 9 idiomas. Esto permite que nuestros periodistas puedan dedicar más tiempo a la investigación y redacción de artículos originales. Los artículos traducidos con ayuda de IA son siempre revisados y editados por un editor humano antes de su publicación. Si tienes preguntas o comentarios sobre este proceso, escríbenos a info@fashionunited.com

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Thom Browne x Baccarat limited edition capsule collection. Credits: Thom Browne. Opinión En la moda, los momentos de transparencia involuntaria (una cifra de inventario del back-end expuesta por accidente, un documento de producción filtrado, una colección cápsula “limitada” que parece estar disponible para siempre) suelen sacar a la luz la brecha entre cómo se describen las marcas y cómo operan en realidad. Estos momentos son reveladores no porque expongan una mala praxis, sino porque muestran lo elástico que se ha vuelto el lenguaje del marketing. Un ejemplo reciente fuera de la moda reavivó brevemente este conocido debate esta semana: un supuesto fallo en la página web de la marca de estilo de vida de Meghan Markle, As Ever, el 3 de enero, supuestamente reveló cifras de stock que indicaban tiradas de producción de decenas de miles, con al menos un producto superando las 100,000 unidades. Independientemente de si estas cifras reflejaban la producción total o el inventario en tiempo real, su difusión suscitó una pregunta con la que la moda ha lidiado durante mucho tiempo: ¿qué significan realmente “small batch” y “edición limitada” en un contexto industrial? “Small batch” es casi siempre relativo En moda, small batch rara vez significa pequeño en términos absolutos. Significa más pequeño que el negocio principal de la marca. Una firma de lujo que produce dos millones de prendas al año puede considerar limitada una tirada de 5,000 unidades; un atelier independiente podría llamar lote a 50 piezas. El término indica posicionamiento, no escala. La misma lógica se aplica cuando las marcas de estilo de vida o bienestar adoptan un lenguaje artesanal mientras operan a niveles de distribución nacional o global. Una vez que la producción supera las decenas de miles, small batch deja de describir un método para convertirse en un término de marketing comparativo. El lenguaje artesanal suele sobrevivir a la escala, discretamente La historia de la moda está llena de marcas que conservan el vocabulario artesanal mucho después de que los procesos se hayan industrializado. Palabras como “acabado a mano”, “tradicional”, “atelier” y “artesanal” persisten porque comunican valores en lugar de logística. Es importante destacar que esto no es intrínsecamente engañoso si los procesos de la marca todavía implican control de calidad, abastecimiento especializado o acabados diferenciados. Los problemas surgen cuando los consumidores interpretan estos términos literalmente. Sin puntos de referencia numéricos, un small batch puede parecer artesanal aunque funcione a gran escala, hasta que los datos salen a la luz brevemente y rompen la ilusión. La transparencia suele ser accidental Son pocas las marcas que revelan proactivamente los volúmenes de producción, especialmente para las gamas premium o limitadas. Cuando las cifras se hacen públicas, suele ser a través de informes de resultados, documentos regulatorios, cierres forzosos o errores técnicos, no por una estrategia de marketing. Eso es lo que hizo notable el debate sobre As Ever. Según las cifras publicadas por el Daily Mail, supuestamente reveladas por un error en la web, los SKU individuales oscilaban entre aproximadamente 8,500 unidades para un producto de miel de salvia y más de 137,000 unidades para una caja de regalo de mermelada de frutas. Nunca se aclaró formalmente si estas cifras representaban el stock almacenado o marcadores de posición del sistema. Aun así, su publicación fue suficiente para desencadenar el escrutinio, no porque las cantidades fueran inusuales para una marca de consumo, sino porque chocaban con la promesa de intimidad de un small batch. ¿Qué es una edición limitada? Créditos: Pexels La moda ya normalizó esta ambigüedad La moda lleva mucho tiempo operando en esta zona gris. Las colecciones cápsula, los drops y las colaboraciones se presentan habitualmente como escasos sin revelar la escala. La escasez se da a entender a través del timing, la distribución o el storytelling, en lugar de con cifras. Esto es especialmente visible en los niveles premium del fast fashion. Las líneas Limited Edition de Zara, por ejemplo, se posicionan como colecciones cápsula elevadas y de diseño avanzado, distintas de las colecciones principales. Sin embargo, “limitado” nunca se define numéricamente. Inditex, la empresa matriz de Zara, declara producir más de mil millones de prendas al año en el conjunto de sus marcas. En ese contexto, una pieza de Limited Edition puede existir en muchos miles de unidades a nivel mundial, limitada solo en relación con la base de mercado masivo de Zara, no en términos absolutos. La terminología funciona porque los consumidores la entienden de forma intuitiva, aunque sea inconscientemente: “limitado” no significa exclusivo, significa “más exclusivo de lo habitual”. Las marcas de lifestyle toman prestado el manual de la moda, con mayor riesgo Cuando la moda utiliza un lenguaje elástico, los consumidores generalmente dominan el código. En las categorías de alimentación, bienestar u hogar, las expectativas son diferentes. “Small batch” implica proximidad: menos manos, abastecimiento local, escala humana. Cuando aparecen cifras que sugieren volúmenes industriales, el contrato emocional puede parecer más frágil. Por eso las cifras de As Ever tuvieron tanta repercusión. No porque producir decenas de miles de unidades sea intrínsecamente contradictorio con la calidad, sino porque la narrativa de la marca se apoyaba en gran medida en la intimidad, lo doméstico y la elevación de lo cotidiano. La moda ha entrenado a los consumidores para que acepten la escasez relativa; el branding de estilo de vida no siempre ha hecho lo mismo. El verdadero problema no es la escala, es la definición Nada de esto sugiere que As Ever, Zara o cualquier otra marca se haya tergiversado en un sentido legal. El problema es la deriva semántica. A medida que las marcas crecen, las palabras que utilizan siguen siendo las mismas, pero sus significados se estiran. “Small batch”, “edición limitada” y “hecho artesanalmente” no son términos regulados. Se basan en la confianza, el contexto y el entendimiento mutuo. Cuando ese entendimiento se rompe, a través de cifras filtradas, fallos técnicos o periodismo de investigación, no revela un engaño, sino una ambigüedad. El lenguaje viaja más rápido que la realidad de la producción La moda aprendió hace mucho tiempo que los consumidores compran historias tanto como prendas. Las marcas de estilo de vida que entran en este territorio están descubriendo la misma verdad y los mismos riesgos. La escala no anula la calidad, pero un lenguaje indefinido invita al escrutinio. La lección no es que las marcas deban seguir siendo pequeñas para ser creíbles. Es que a medida que las operaciones se escalan, las definiciones importan más. En una era en la que los datos del back-end pueden salir a la luz en cualquier momento, la distancia entre la percepción y la realidad ya no es teórica. Es medible, a veces por accidente, y una vez que se ve, no se puede ignorar. Este artículo fue originalmente publicado en otro idioma dentro de la red internacional de FashionUnited y después traducido al español usando una herramienta de inteligencia artificial. FashionUnited ha implementado herramientas de inteligencia artificial para agilizar la traducción de artículos entre nuestras plataformas, pues contamos con una red global de periodistas activos en más de 30 mercados, ofreciendo inteligencia empresarial y los contenidos más recientes en 9 idiomas. Esto permite que nuestros periodistas puedan dedicar más tiempo a la investigación y redacción de artículos originales. Los artículos traducidos con ayuda de IA son siempre revisados y editados por un editor humano antes de su publicación. Si tienes preguntas o comentarios sobre este proceso, escríbenos a info@fashionunited.com

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Francesco Risso en el desfile de Marni Primavera/Verano 2024, ready-to-wear Créditos: ©Launchmetrics/spotlight El grupo Fast Retailing ha anunciado el nombramiento de Francesco Risso como director creativo de GU. En su nuevo cargo, Risso definirá la dirección creativa de GU en su próxima fase de crecimiento, según ha declarado el conglomerado japonés de moda en un comunicado de prensa. Su colección debut para la marca está prevista para Otoño/Invierno 2026. Paralelamente a su nombramiento en GU, Risso también desarrollará una nueva línea en colaboración con la marca hermana Uniqlo, cuyo lanzamiento está previsto para 2026. Ya colaboró con el minorista japonés en la colección Uniqlo and Marni en 2022. El grupo Fast Retailing ha comunicado que más adelante se anunciarán más detalles sobre ambas iniciativas. Tienda de GU en el SoHo de Nueva York Créditos: Fast Retailing Tienda de GU en el SoHo de Nueva York Créditos: GU / Grupo Fast Retailing Francesco Risso fue director creativo de Marni de 2016 a 2025, donde dio forma a la distintiva dirección creativa de la marca. Anteriormente, el diseñador italiano pasó una década en Prada. Risso estudió moda en Florencia, Nueva York y Londres, y paralelamente a su carrera como diseñador, ejerce de profesor invitado en destacadas instituciones de arte y diseño de todo el mundo. GU debutó con su flagship internacional en Estados Unidos en septiembre de 2024, abriendo una tienda en el SoHo de Nueva York junto con el lanzamiento de su primera plataforma online a nivel nacional. Fast Retailing afirma que la decisión se tomó tras la fuerte respuesta de los clientes a un concepto pop-up que funcionó en la ciudad desde octubre de 2022, allanando el camino para un despliegue más amplio en Estados Unidos. En el año fiscal 2025, la empresa tiene como objetivo acelerar aún más la expansión global de GU y fortalecer su posición como marca internacional. Este artículo fue originalmente publicado en otro idioma dentro de la red internacional de FashionUnited y después traducido al español usando una herramienta de inteligencia artificial. FashionUnited ha implementado herramientas de inteligencia artificial para agilizar la traducción de artículos entre nuestras plataformas, pues contamos con una red global de periodistas activos en más de 30 mercados, ofreciendo inteligencia empresarial y los contenidos más recientes en 9 idiomas. Esto permite que nuestros periodistas puedan dedicar más tiempo a la investigación y redacción de artículos originales. Los artículos traducidos con ayuda de IA son siempre revisados y editados por un editor humano antes de su publicación. Si tienes preguntas o comentarios sobre este proceso, escríbenos a info@fashionunited.com

Fashion United

La empresaria y estrella global sorprendió a sus seguidores con una serie de fotografías que revelan los sensuales diseños de su marca de lencería para la fecha más romántica del año.

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Amandine Ohayon y Alessandro Valenti. Créditos: LVMH. El grupo de lujo LVMH ha oficializado, este miércoles siete de enero de 2026, cambios importantes en la dirección de dos de sus principales firmas: Amandine Ohayon ha sido nombrada CEO de Givenchy, mientras que Alessandro Valenti se convierte en el director general adjunto responsable de las actividades comerciales de Christian Dior Couture. Estos nombramientos entrarán en vigor el nueve y el 12 de enero de 2026, respectivamente, según un comunicado del grupo. Una nueva presidencia para Givenchy Amandine Ohayon se convierte en la nueva directora general (CEO) de Givenchy. Un puesto de liderazgo en el que será responsable de impulsar el crecimiento futuro de la firma. Sucede a Alessandro Valenti y reportará directamente a Pietro Beccari, presidente y director ejecutivo del LVMH Fashion Group y de Louis Vuitton. Su llegada se inscribe en una fase de renovación para la firma, cuyas colecciones son diseñadas por Sarah Burton, nombrada directora artística en 2024. Licenciada por la ESSEC de París, Amandine Ohayon cuenta con una sólida experiencia en el sector del lujo. Tras iniciar su carrera en LVMH en 1998 en la firma Christian Lacroix en Nueva York, trabajó en L'Oréal en puestos de marketing y dirección general para marcas de belleza. Más recientemente, ocupó el cargo de directora general de la marca de moda nupcial Pronovias entre 2018 y 2023, antes de ponerse al frente de Stella McCartney. Pietro Beccari ha celebrado su llegada, destacando en un comunicado su “capacidad única para colaborar con los talentos más creativos” así como su “experiencia en el sector retail”. Su misión será acelerar el nuevo capítulo de crecimiento de la firma, colaborando especialmente con la directora artística Sarah Burton para desarrollar este “ambicioso proyecto”. Refuerzo de la dirección comercial en Christian Dior Couture Paralelamente, Alessandro Valenti se incorpora a la firma Christian Dior Couture como director general adjunto responsable de las actividades comerciales, a partir del 12 de enero de 2026. En su nuevo cargo, formará parte del comité de dirección y reportará a Pierre-Emmanuel Angeloglou, director general de la firma. Este nombramiento se produce tras el nuevo dinamismo impulsado por Jonathan Anderson, nombrado director artístico de las colecciones femeninas de Dior en sustitución de Maria Grazia Chiuri en junio de 2025. Alessandro Valenti, licenciado por la Universidad Luigi Bocconi, se unió al grupo LVMH en 2014, donde ocupó diversos puestos de responsabilidad en Louis Vuitton antes de asumir la presidencia de la región EMEA y, posteriormente, la dirección general de Givenchy en 2024. Sidney Toledano ha querido agradecer a Alessandro Valenti su eficaz gestión de la “fase de transición de Givenchy”, considerando que la firma está ahora “en una posición ideal” para su futuro crecimiento. Para Christian Dior Couture, este nombramiento responde a objetivos comerciales específicos. Pierre-Emmanuel Angeloglou ha declarado estar seguro de que Alessandro Valenti hará una “contribución esencial” al rendimiento retail y digital de la marca, gracias a su visión y a su capacidad para movilizar a los equipos. Este artículo fue originalmente publicado en otro idioma dentro de la red internacional de FashionUnited y después traducido al español usando una herramienta de inteligencia artificial. FashionUnited ha implementado herramientas de inteligencia artificial para agilizar la traducción de artículos entre nuestras plataformas, pues contamos con una red global de periodistas activos en más de 30 mercados, ofreciendo inteligencia empresarial y los contenidos más recientes en 9 idiomas. Esto permite que nuestros periodistas puedan dedicar más tiempo a la investigación y redacción de artículos originales. Los artículos traducidos con ayuda de IA son siempre revisados y editados por un editor humano antes de su publicación. Si tienes preguntas o comentarios sobre este proceso, escríbenos a info@fashionunited.com

Fashion United

La Maison presentó la nueva campaña Men´s Spring-Summer 2026, concebida por Pharrell Williams, Director Creativo de las líneas masculinas

La República

Tony Ward | Alta Costura Otoño/Invierno 2025/2026 Créditos: ©Launchmetrics/spotlight Descubre el desfile de Alta Costura Otoño/Invierno 2025/2026 de Tony Ward en la Semana de la Alta Costura de París. Este desfile completo presenta la última colección de Alta Costura del diseñador libanés, donde la artesanía meticulosa, las siluetas esculturales y los tejidos lujosos se unen en una inolvidable muestra de arte. Observa a las modelos desfilar con vestidos exquisitamente confeccionados, adornos opulentos y elegantes trajes de noche que reflejan la mezcla característica de Tony Ward de precisión arquitectónica y diseño expresivo. Desde ricas texturas hasta atrevidos detalles, cada look encarna una visión moderna de la Alta Costura. Este artículo fue originalmente publicado en otro idioma dentro de la red internacional de FashionUnited y después traducido al español usando una herramienta de inteligencia artificial. FashionUnited ha implementado herramientas de inteligencia artificial para agilizar la traducción de artículos entre nuestras plataformas, pues contamos con una red global de periodistas activos en más de 30 mercados, ofreciendo inteligencia empresarial y los contenidos más recientes en 9 idiomas. Esto permite que nuestros periodistas puedan dedicar más tiempo a la investigación y redacción de artículos originales. Los artículos traducidos con ayuda de IA son siempre revisados y editados por un editor humano antes de su publicación. Si tienes preguntas o comentarios sobre este proceso, escríbenos a info@fashionunited.com

Fashion United

Las aspirantes sorprendieron al público con trajes de manola, una clara referencia a la Feria de Sevilla, celebración española que ha servido de inspiración histórica para la Feria de Manizales.

Eje 21

Tienda de Zara en el centro comercial Les Quatre Temps (Puteaux, Francia). Créditos: Foto de ERIC BERACASSAT / HANS LUCAS / HANS LUCAS VÍA AFP Clément Beaune desveló el miércoles las líneas maestras de un estudio sobre la fast fashion del Alto Comisionado para la Estrategia y la Planificación que dirige, abogando por el uso de prendas fabricadas en Francia, el reciclaje y fuertes impuestos para luchar contra la llegada masiva de estos productos. Antes de la publicación el viernes de este informe, titulado “Fast fashion: un remedio engañoso para el problema del poder adquisitivo”, Beaune explicó en RMC que, al final, “es más barato comprar de forma sostenible”. “Si llevas tu vaquero made in France, duradero, producido en buenas condiciones, todos los días durante un año, (se mantiene) en buen estado, mientras que el que compras en una gran plataforma se estropea”, señaló. “Hemos visto que un vestido se usa de media cuatro veces menos (tiempo) cuando se compra en la ultra fast fashion, un abrigo ocho veces menos y un vaquero siete veces menos”, enumeró, invitando a considerar el “coste por uso” de la prenda, en lugar de su coste de compra. Evitar la desindustrialización También consideró que era necesario “fomentar el sector de la segunda mano y la reparación”, sugiriendo un IVA reducido para estas actividades. Además, Beaune abogó por “un impuesto masivo” a la entrada de estos productos en la Unión Europea, “para frenar en seco la avalancha de estas plataformas: no debemos revivir lo que vivimos hace 25 años en Francia y en toda Europa con la desindustrialización, un término elegante para decir que cerramos fábricas por todas partes”. Para él, “aún estamos a tiempo de salvar marcas y empleos”. Reconoció que “a veces habrá un debate con el poder adquisitivo”. Pero “nuestro trabajo es también pensar a largo plazo”, argumentó. El estudio también propone la creación de un ecocheque, siguiendo un modelo ya utilizado en Bélgica para fomentar la compra de productos y servicios de carácter ecológico. “Es algo así como los cheques de vacaciones, las empresas, de forma voluntaria, podrían abonar un complemento de ingresos en forma de cheque para comprar ropa sostenible, producida en Francia o en Europa, sin cargas ni cotizaciones” para el empleador, explicó el Alto Comisionado. Este artículo fue originalmente publicado en otro idioma dentro de la red internacional de FashionUnited y después traducido al español usando una herramienta de inteligencia artificial. FashionUnited ha implementado herramientas de inteligencia artificial para agilizar la traducción de artículos entre nuestras plataformas, pues contamos con una red global de periodistas activos en más de 30 mercados, ofreciendo inteligencia empresarial y los contenidos más recientes en 9 idiomas. Esto permite que nuestros periodistas puedan dedicar más tiempo a la investigación y redacción de artículos originales. Los artículos traducidos con ayuda de IA son siempre revisados y editados por un editor humano antes de su publicación. Si tienes preguntas o comentarios sobre este proceso, escríbenos a info@fashionunited.com

Fashion United

Gleeden propone un checklist simbólico que invita a empezar el 2026 con más libertad y coherencia con lo que somos. La entrada Checklist íntimo para empezar el2026 con bienestar, autenticidad y libertad se publicó primero en EXTRA | El Diario de Todos.

Extra

Una de las pasadas ediciones de Micam Créditos: Micam Micam ha utilizado la inteligencia artificial para crear una guía de tendencias. El salón tendrá lugar del 22 al 24 de febrero. "Comprar los futuros productos superventas, reduciendo el stock no vendido y optimizando al mismo tiempo el impacto comercial y medioambiental: no es magia, sino el servicio ofrecido en exclusiva por Micam, el primer salón internacional en presentar una guía y un área de tendencias basadas en datos y generadas por inteligencia artificial", han explicado los organizadores en un comunicado. Este proyecto data-driven nace del deseo de mejorar la experiencia de los visitantes, proporcionándoles las indicaciones más fiables sobre las tendencias de la temporada para optimizar sus compras, han añadido los organizadores. "Por este motivo, Micam colabora con Livetrend, una plataforma digital de vanguardia en el campo del análisis de tendencias y de mercado", prosigue el comunicado. La solución digital, que se basa en la inteligencia artificial, analiza millones de imágenes e información procedentes de diversas fuentes web y, a partir de estas, gracias a algoritmos especialmente creados, elabora las macrotendencias de la temporada. Instagram, el e-commerce, los desfiles de moda y el interés de los consumidores se utilizan para respaldar las previsiones de tendencias. Para la guía data-driven, 2026 será un año marcado por la búsqueda colectiva de la autenticidad, un Renacimiento primordial, donde el calzado deberá responder a la nueva exigencia de valor de los consumidores. En este escenario, son cuatro las macrotendencias que definen la temporada. Bucolic slumber, arraigada en el mundo rural, sereno y natural. Lavish subversion, inspirada en el encanto de lo cotidiano, un tema lujoso y sorprendente. Primal futurism, fundada en la ambivalencia entre un futuro minimalista y un pasado rico en tradiciones. Dark history, que añade un lado casi religioso e histórico, inspirado en antiguos rituales, y se impone con su dramatismo. Bucolic slumber interpreta el creciente deseo de ralentizar el ritmo y reconectar con la naturaleza con un calzado que apuesta por formas suaves y una estética que evoca la reconfortante familiaridad de los objetos con historia. Los modelos clásicos del mundo rural se actualizan con una solidez contemporánea: las merceditas y las botas de montar adquieren un carácter a medio camino entre la nostalgia y la modernidad gracias a suelas robustas, líneas redondeadas y materiales como el ante y las pieles de grano marcado. Lavish subversion explora un sentido de maximalismo rebelde con detalles lúdicos e inesperados que transforman las formas clásicas de las bailarinas, los zapatos de salón y los mocasines de acabados brillantes, con terciopelos y superficies de raso que reflejan un sentido teatral. Primal futurism construye el futuro a partir de fragmentos del pasado, integrando la tecnología y la artesanía. La estética privilegia las superficies opacas, materiales como la piel de potro y los acabados envejecidos, elementos de hardware, como tachuelas y cierres mecánicos, formas minimalistas e intelectuales. Dark history se inspira en la Edad Media, las influencias barrocas y la elegancia oscura del romanticismo gótico con formas esculturales, puntas alargadas, tacones sinuosos o arqueados y cañas altas, que recuerdan a la indumentaria ceremonial. Los materiales amplifican esta atmósfera a través de combinaciones de texturas: pieles gofradas, encaje, charol, terciopelos e incluso cotas de malla, que crean un contraste entre suavidad y estructura. Este artículo fue originalmente publicado en otro idioma dentro de la red internacional de FashionUnited y después traducido al español usando una herramienta de inteligencia artificial. FashionUnited ha implementado herramientas de inteligencia artificial para agilizar la traducción de artículos entre nuestras plataformas, pues contamos con una red global de periodistas activos en más de 30 mercados, ofreciendo inteligencia empresarial y los contenidos más recientes en 9 idiomas. Esto permite que nuestros periodistas puedan dedicar más tiempo a la investigación y redacción de artículos originales. Los artículos traducidos con ayuda de IA son siempre revisados y editados por un editor humano antes de su publicación. Si tienes preguntas o comentarios sobre este proceso, escríbenos a info@fashionunited.com

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Portada de L'Officiel Malaysia. Créditos: L'Officiel, AMTD. La justicia francesa ha abierto una investigación sobre un posible fraude masivo en torno a la adquisición de la editorial de la revista L'Officiel por parte de un conglomerado chino. Sus propietarios históricos, la familia Jalou, denuncian una operación de “depredación” con el objetivo de vaciar de contenido esta institución centenaria de la moda y el lujo. Detrás de las portadas en papel cuché en las que posan Pierre Niney, Jessica Chastain o Michelle Yeoh, se libra desde hace varios meses una guerra económica y judicial sin cuartel. En declaraciones a la AFP, la fiscalía de París ha confirmado que ha encargado una investigación a la brigada de investigación e intervención financiera (BRIF) de la policía judicial de París, a raíz de una denuncia presentada el cinco de marzo de 2025. La familia Jalou —fundadora de la editorial que publica “L'Officiel de la mode”— acusa a la empresa AMTD de “falsificación, fraude fiscal y abuso de bienes sociales”. El conglomerado chino se hizo cargo en 2022 del grupo editorial, que se encontraba en administración judicial. En la denuncia, a la que ha tenido acceso la AFP, la familia menciona malversaciones que han causado un perjuicio de “al menos 40 millones de euros” a los acreedores. También acusa a los inversores de haber eludido el pago de impuestos en Francia apropiándose de la marca, valorada en casi 85 millones de euros, a través de una estructura “fraudulenta”. Un imperio vaciado de contenido entre París y las Islas Caimán Las acusaciones se centran en una serie de estructuras financieras opacas orquestadas entre París, Nueva York, Hong Kong y las Islas Caimán, destinadas, según los demandantes, a dilapidar los activos de la firma francesa. Y lo que es aún más preocupante: los valiosos archivos fotográficos, testimonio único de un siglo de moda francesa, se encuentran ahora en paradero desconocido. Paralelamente, se acusa a AMTD de haber explotado la marca “L'Officiel” desde Taiwán hasta Dubái, sin que la estructura francesa percibiera beneficio alguno. Los socios internacionales habrían recibido la orden de negociar directamente con los nuevos propietarios, puenteando a la empresa histórica. El resultado: la estructura original se ve despojada de sus activos, a pesar de que el plan de viabilidad, vigente hasta 2028, prohíbe formalmente la cesión o transferencia del fondo de comercio y de las marcas. “¡Es una historia increíble!”, lamenta Marie-José Jalou, de 76 años, antigua redactora jefa histórica de la publicación. “L'Officiel era la biblia de la moda, nunca bajaré los brazos”. Del “salvador” de Hong Kong a la batalla judicial Fundada en 1921, la editorial Jalou reinó en la prensa especializada con cabeceras como Jalouse, La Revue des Montres o L'Optimum. Su descenso a los infiernos comenzó en 2015 tras un litigio en Rusia, que la llevó a la administración judicial. En 2022, AMTD apareció como un salvador. El grupo multiplicaba entonces los proyectos extravagantes: una edición especial en el Foro de Davos o un desfile en la Bolsa de Nueva York. Pero desde 2024, la relación está rota. La familia Jalou denuncia “violaciones graves y repetidas del plan de viabilidad”, destinado a proteger a los empleados, a la Urssaf (la seguridad social francesa) y a la hacienda pública. “L'Officiel es una institución centenaria de la moda francesa, no puede ser tratada como un mero activo especulativo”, han criticado duramente los abogados de la familia, Céline Bekerman y Antoine Cadeo. “Su legado debe ser preservado [...] y no puede ser sacrificado por prácticas depredadoras. Confiamos plenamente en la justicia para proteger a todos los acreedores, en primer lugar al Estado francés por sus deudas fiscales”. Este artículo fue originalmente publicado en otro idioma dentro de la red internacional de FashionUnited y después traducido al español usando una herramienta de inteligencia artificial. FashionUnited ha implementado herramientas de inteligencia artificial para agilizar la traducción de artículos entre nuestras plataformas, pues contamos con una red global de periodistas activos en más de 30 mercados, ofreciendo inteligencia empresarial y los contenidos más recientes en 9 idiomas. Esto permite que nuestros periodistas puedan dedicar más tiempo a la investigación y redacción de artículos originales. Los artículos traducidos con ayuda de IA son siempre revisados y editados por un editor humano antes de su publicación. Si tienes preguntas o comentarios sobre este proceso, escríbenos a info@fashionunited.com

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Campaña de la primera colección de Phoebe Philo. Créditos: página web de Phoebe Philo El regreso de Phoebe Philo a la industria en 2023 con una firma independiente que lleva su nombre fue uno de los acontecimientos más seguidos de la moda contemporánea. Los expertos del sector se interesaron no solo por la importancia creativa de que una diseñadora consagrada estableciera el control sobre su producción, sino también por el modelo de negocio que la respaldaba. La marca se lanzó con una clara intención: combinar una filosofía de diseño distintiva con una estrategia comercial controlada y a largo plazo. Sin embargo, hasta ahora no estaba claro cuál había sido exactamente el rendimiento de Philo durante este periodo decisivo. La formación de la marca y el trabajo estratégico de base tuvieron lugar a lo largo de 2023 y principios de 2024, antes de pasar del concepto a una realidad escalable. Un documento presentado en el Companies House del Reino Unido ha revelado ahora la trayectoria financiera de la firma durante el ejercicio cerrado el 31 de diciembre de 2024, el primer año completo de actividad comercial de Phoebe Philo Limited. Los ingresos del periodo alcanzaron los 11,2 millones de libras, impulsados principalmente por las ventas directas al consumidor, mientras que la venta al por mayor aportó alrededor de un tercio de la facturación. Varios hitos contribuyeron a este resultado, desde el lanzamiento de una plataforma de e-commerce a medida que respalda el crecimiento directo a largo plazo, hasta los acuerdos de venta al por mayor cerrados en las principales capitales de la moda, que garantizan la visibilidad internacional. La empresa también inició su expansión en la región de Asia-Pacífico, donde el interés y la demanda iniciales de clientes de alto poder adquisitivo mostraron oportunidades de futuro. En cuanto a las operaciones, 2024 siguió centrado en la infraestructura. Se integraron desarrollos internos y operativos para respaldar la escalabilidad. El activo corriente aumentó a 24,8 millones de libras, lo que refleja un incremento del inventario para los planes de expansión regional y los canales de ingresos. Las pérdidas antes de impuestos del ejercicio ascendieron a 24,4 millones de libras, frente a unas pérdidas de 21,8 millones de libras en 2023. Sin embargo, la tesorería a cierre de ejercicio se situó en 8 millones de libras, lo que demuestra estabilidad mientras la marca sigue invirtiendo. El beneficio bruto pasó de 116,264 libras a 5,7 millones de libras. Las métricas de interacción con la marca subrayaron aún más la importancia del año. Las impresiones en redes sociales ascendieron a 28,6 millones, un aumento del +48 por ciento con respecto a 2023. La retención de clientes alcanzó el 28 por ciento en los primeros 18 meses, mientras que los niveles de servicio se mantuvieron sólidos, con más del 95 por ciento de los pedidos entregados a tiempo. El documento considera 2025 como un periodo de crecimiento acelerado, con una facturación que va camino de alcanzar los 32 millones de libras, aproximadamente tres veces el rendimiento de 2024. La previsión de la empresa se apoya en la ampliación de la distribución mayorista, una mayor penetración en Asia-Pacífico y la extensión de la línea de productos a accesorios y cápsulas de temporada. De cara a 2026, la empresa espera seguir construyendo sobre estos esfuerzos, con planes para ampliar su oferta de productos, profundizar su canal de venta al por mayor y consolidar aún más su presencia internacional. Así, el próximo año se describió en el documento como una “etapa clave en el plan de desarrollo”. “La inversión continuará en las plataformas digitales, la experiencia del cliente y los materiales sostenibles, pilares fundamentales del compromiso de la empresa para construir una marca de lujo moderna con alcance, relevancia y responsabilidad globales”, concluía. Este artículo fue originalmente publicado en otro idioma dentro de la red internacional de FashionUnited y después traducido al español usando una herramienta de inteligencia artificial. FashionUnited ha implementado herramientas de inteligencia artificial para agilizar la traducción de artículos entre nuestras plataformas, pues contamos con una red global de periodistas activos en más de 30 mercados, ofreciendo inteligencia empresarial y los contenidos más recientes en 9 idiomas. Esto permite que nuestros periodistas puedan dedicar más tiempo a la investigación y redacción de artículos originales. Los artículos traducidos con ayuda de IA son siempre revisados y editados por un editor humano antes de su publicación. Si tienes preguntas o comentarios sobre este proceso, escríbenos a info@fashionunited.com

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De izquierda a derecha: Sophie Hersan, el ministro Bruno Le Maire, Fanny Moizant. Créditos: ©Hamilton de Oliveira/MEFSIN Después de 16 años al frente de Vestiaire Collective, la cofundadora Fanny Moizant anunció el lunes cinco de enero en LinkedIn su salida de la empresa que co-creó en 2009, marcando el final de un capítulo importante en la historia de la moda circular. “No ha sido una decisión que haya tomado, ni que me esperara, pero acepto que marca el final de un capítulo extraordinario”, escribió Moizant, celebrando su “inmenso privilegio” de haber construido una empresa con “un alma, un propósito y una misión poderosa: cambiar la industria de la moda desde dentro, un artículo de segunda mano a la vez”. Una aventura nacida de una fuerte convicción Vestiaire Collective nació en 2009 en París bajo el nombre inicial de Vestiaire de Copines, lanzada con solo unos pocos miles de artículos de moda de segunda mano puestos en común entre amigos y contactos directos. Fundada por Moizant y su socia Sophie Hersan, la plataforma se propuso una misión ambiciosa: promover un consumo más sostenible y circular en el universo del lujo. Moizant, que ha acompañado a Vestiaire desde sus inicios, subraya en su mensaje la dimensión casi vocacional de este proyecto: “Nunca fue solo un trabajo. Fue una vocación, una causa, una firme convicción de que la circularidad importa, para el planeta, para las generaciones futuras, para la propia industria”. De sus inicios a la expansión mundial Desde su creación, Vestiaire Collective se ha transformado en un marketplace global para la moda de lujo de segunda mano y en una de las figuras emblemáticas del recommerce. La plataforma opera hoy en más de 70 países de todo el mundo, ofreciendo un catálogo de casi cinco millones de artículos de una comunidad internacional de millones de miembros. En el plano económico, aunque las empresas privadas no siempre publican sus cuentas detalladas, estimaciones recientes (en particular de Martini.ai) indican que la plataforma generó aproximadamente 486 millones de dólares en volumen de transacciones (GMV) en 2024 —un crecimiento significativo en comparación con años anteriores— con proyecciones de crecimiento continuo para 2025. Vestiaire también ha completado varias rondas de financiación importantes: entre otras, una campaña de crowdfunding en febrero de 2024 que recaudó aproximadamente 3,5 millones de euros, superando con creces sus objetivos, así como rondas en las que han participado inversores como Kering, Tiger Global, SoftBank o Eurazeo a lo largo de la década. La expansión internacional y la conquista del Reino Unido Uno de los hitos en la expansión internacional de Vestiaire Collective fue la apertura de una oficina en Londres, poco después de la llegada de la plataforma al mercado británico a principios de la década de 2010. Una fase de desarrollo que Moizant a menudo describía como un momento de transformación personal: luchar “contra sí misma” para no arrepentirse nunca de apuntar más alto en la conquista de nuevos mercados. Hoy, las oficinas de Vestiaire se extienden por varias capitales mundiales, con equipos dedicados a la curación, la autenticación de artículos de lujo y la logística en ciudades como Berlín, Nueva York, Hong Kong o Singapur. Una plataforma con impacto y desafíos Vestiaire Collective es reconocida por su compromiso sostenible —centrado en la reducción de residuos y la prolongación de la vida útil de los productos de lujo—, lo que le ha valido la certificación B Corp desde 2021. El modelo se basa en una comunidad activa, procesos de autenticación rigurosos y una curación de calidad, con miles de nuevos artículos añadidos cada día. Sin embargo, la empresa no está exenta de desafíos, como una mayor competencia en el sector de la moda de segunda mano, la evolución de los hábitos de consumo y las fluctuaciones en ciertos mercados, elementos que dan forma a una industria en plena transformación. Moizant: gratitud, transición y un nuevo capítulo En su mensaje, Fanny Moizant ha agradecido a “las numerosas personas con las que se ha cruzado en el camino: compañeros de equipo, socios, creadores y activistas”, así como a “la comunidad de clientes”, descrita como “el alma de este movimiento desde el principio”. También ha rendido homenaje a su cofundadora Sophie Hersan y al liderazgo del actual CEO, Maximilian Bittner. “Queda algo más grande por construir. Más impacto por crear”, concluyó, citando una frase de Albert Camus sobre la resiliencia: “En medio del invierno, aprendí por fin que había en mí un verano invencible”. Moizant aún no desvela sus planes de futuro, pero promete que “la próxima historia empieza pronto”, dejando entrever una nueva etapa para una de las emprendedoras más influyentes de la fashion tech francesa. Este artículo fue originalmente publicado en otro idioma dentro de la red internacional de FashionUnited y después traducido al español usando una herramienta de inteligencia artificial. FashionUnited ha implementado herramientas de inteligencia artificial para agilizar la traducción de artículos entre nuestras plataformas, pues contamos con una red global de periodistas activos en más de 30 mercados, ofreciendo inteligencia empresarial y los contenidos más recientes en 9 idiomas. Esto permite que nuestros periodistas puedan dedicar más tiempo a la investigación y redacción de artículos originales. 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El diseñador de moda japonés Soshiotsuki asiste a la ceremonia de entrega del Premio LVMH 2025 en la Fundación Louis Vuitton Créditos: Thomas SAMSON / AFP. Soshiotsuki, la marca japonesa que se alzó con el Premio LVMH de este año, se prepara para consolidar su presencia mundial en la feria internacional italiana Pitti Uomo del 13 al 16 de enero de 2026. Mientras la atención se centra en elementos clásicos de la cultura japonesa como el kimono, el wabi-sabi o el zen, la perspectiva del diseñador Soshi Otsuki rechaza de plano la nostalgia convencional. Sus diseños subliman elementos como los uniformes del antiguo ejército imperial japonés, la ropa de luto e incluso el estilo de los salarymen de la era de la burbuja económica, transformándolos en la prenda “occidental” moderna por excelencia: el traje. Se podría decir que es un símbolo de la fusión wayō-setchū, que entrelaza diferentes culturas, alejándose de una visión dicotómica de “lo japonés contra lo occidental”. En la encrucijada de los diversos valores contemporáneos, la marca vuelve a plantear, a través de la indumentaria, la pregunta: “¿qué es la cultura japonesa?”. Esta pregunta no es nueva. Históricamente, desde la Restauración Meiji hasta la derrota en la Segunda Guerra Mundial y el globalismo actual, Japón se ha enfrentado en repetidas ocasiones a una crisis de identidad, atrapado entre la occidentalización y sus propias tradiciones. Este conflicto sigue influyendo en los valores y la estética de los japoneses de hoy. Probablemente, Otsuki sea uno de ellos. “Tengo un complejo con el extranjero”, confesó en una entrevista para el medio digital de moda Fashionsnap, un sentimiento de resistencia que ha plasmado en sus colecciones. Repasemos la visión de Otsuki sobre la historia de Japón como reflejo de una sociedad multicultural y la trayectoria de su marca, además de analizar su prometedora expansión futura. “Una propuesta de dandismo creada a través de la espiritualidad japonesa y las técnicas de sastrería”, Soshiotsuki Con “una propuesta de dandismo creada a través de la espiritualidad japonesa y las técnicas de sastrería” como filosofía central, Soshiotsuki incorpora elementos de la tradición y la religiosidad japonesas en la ropa occidental que los japoneses visten a diario. La originalidad de la marca reside en su capacidad para rescatar costumbres japonesas de nicho que, aunque familiares para todos, a menudo se dan por sentadas. Como refleja este concepto, la experiencia del diseñador en dos entornos de aprendizaje distintos —uno para perfeccionar la técnica y otro para construir conceptos— ha dado forma a la marca actual. Otsuki estudió en el curso de diseño de moda masculina del Bunka Fashion College hasta 2011. Allí aprendió los fundamentos de la confección, desde las bases de la sastrería hasta el patronaje. La gran habilidad técnica que desarrolló durante este período sentó las bases de las técnicas de sastrería que más tarde se convertirían en el núcleo de su marca. En su tercer año en el Bunka Fashion College, Otsuki comenzó a asistir a una escuela privada de moda llamada Kokonogakko. Allí, mientras aprendía a crear ropa como una representación de la filosofía, la narrativa y la identidad, empezó a incorporar en la moda motivos de las artes escénicas clásicas y la religión japonesas. Tras esta formación técnica y conceptual, lanzó oficialmente su propia marca, Soshiotsuki, en 2015. Poco después de su fundación, en 2016, fue nominado en la lista de finalistas del Premio LVMH 2016. Soshiotsuki Otoño/Invierno 2024, Ready-to-wear Créditos: ©Launchmetrics/spotlight Las colecciones anteriores de Otsuki a menudo incorporaban elementos budistas, como los rosarios juzu que se ven en los funerales japoneses, o la estructura disciplinada de los uniformes del ejército imperial, todo ello adaptado al estilo del traje contemporáneo. Sin embargo, a partir de la colección Primavera/Verano 2025, la marca comenzó a crear prendas con la temática de los empleados corporativos japoneses de los años ochenta, lo que le valió el Premio LVMH de ese mismo año. Aunque esta colección ha sido a veces criticada como una imitación de estilos existentes, detrás de su creación se esconde la perspectiva única del diseñador. En una entrevista para la revista i-D, Otsuki habló con cinismo sobre las tendencias de la era de la burbuja. En el Japón de los ochenta, los trajes de Armani fabricados en Italia eran un símbolo de estatus, pero al mismo tiempo se produjeron en masa copias que malinterpretaban la forma original. Otsuki sintió una sensación de extrañeza ante esta tendencia de admiración incondicional por una cultura extranjera, lo que le sirvió de inspiración para su colección actual, visibilizando no solo la cultura tradicional japonesa, sino también los complejos y deseos específicos de Japón que se manifiestan en el proceso de asimilación de otras culturas, materializándolos en la ropa contemporánea. La colección se creó analizando muestras de tejidos para trajes italianos de los años ochenta y reproduciéndolos con las técnicas textiles de la prefectura de Iwate, en Japón. Además, se confeccionaron camisas con seda de kimonos vintage de deadstock y trajes con lana sobrante de fábricas japonesas. Sin embargo, este proceso de producción no es una simple celebración de la artesanía japonesa o la sostenibilidad. El hecho de recrear deliberadamente prendas de fabricación italiana, que en su día fueron un símbolo de adoración por la cultura extranjera, con un enfoque made in Japan, resalta un mensaje satírico más potente: un acto que cuestiona la propia estructura de ese deseo. Soshiotsuki Primavera/Verano 2026 Ready-to-wear Créditos: ©Launchmetrics/spotlight Línea de productos Los artículos de Soshiotsuki se caracterizan principalmente por prendas de sastrería como camisas, chaquetas de traje y pantalones. La marca también ofrece accesorios como pulseras y collares. Las camisas de vestir tienen un precio de entre 37.000 y 60.000 yenes (entre 202 y 327 euros), los pantalones de 39.000 a 68.000 yenes (entre 213 y 371 euros), y las chaquetas y abrigos de 85.000 a 165.000 yenes (entre 463 y 899 euros), lo que sitúa a la marca en un rango de precios ligeramente superior al de las marcas japonesas de gama media. Estos productos están disponibles en la tienda online oficial y en plataformas de e-commerce como Ssense. Además, se prevé que la marca amplíe su expansión global a través de la asociación con Tomorrow. Expansión de mercado y estrategia internacional La obtención del Premio LVMH en 2025 marcó un importante punto de inflexión para Soshiotsuki, tras el cual se anunciaron nuevas alianzas internacionales. La plataforma de desarrollo de moda Tomorrow firmó un acuerdo de colaboración global con la marca tras su victoria en el Premio LVMH, estableciendo un sistema de apoyo para la venta al por mayor y la expansión internacional. Asimismo, la colaboración con Zara se convirtió en una oportunidad para difundir su diseño a un público más amplio a precios asequibles. La colección, lanzada el 4 de diciembre, incluía prendas para mujer, hombre y niño, inspiradas en la cultura japonesa de los años 80 y 90, y desde las que el diseñador profundizó en las conexiones humanas y en los lazos que se establecen, de generación en generación, entre los miembros de una misma familia. Colección cápsula “A Sense of Togetherness” diseñada por el diseñador japonés Soshi Otsuki para Zara. Credits: Zara. Además, el hecho de centrarse en una prenda tan universal como el traje es una de las razones por las que Soshiotsuki conecta fácilmente con un público global. El traje trasciende culturas y mercados, presenta una barrera de entrada baja para compradores y consumidores internacionales, y es un producto muy eficaz como punto de partida para la expansión mundial. Al mismo tiempo, la marca se diferencia por el uso de materiales japoneses y una sastrería de gran precisión, añadiendo un claro “valor de origen” y craftsmanship. Esta combinación le permite ir más allá de la ropa masculina básica y ofrecer un producto con un fuerte poder de convicción en términos de calidad, precio y posicionamiento. Además, la temática del Japón de los años ochenta funciona como una estrategia de marketing de nostalgia. Para los clientes de mayor edad, evoca recuerdos culturales y familiaridad, mientras que para las generaciones más jóvenes se presenta como una estética redescubierta y aspiracional. Este doble atractivo permite a la marca atraer a múltiples generaciones simultáneamente. Al combinar una categoría de producto universalmente comprendida con la artesanía japonesa y un storytelling que apela a las emociones, Soshiotsuki presenta una estrategia de marca comercialmente muy sólida. En resumenSoshiotsuki, la marca japonesa ganadora del Premio LVMH 2025, se prepara para su participación en Pitti Uomo en enero de 2026.El diseñador Soshi Otsuki reinterpreta elementos de la cultura japonesa, como uniformes militares y ropa de luto, transformándolos en trajes modernos que fusionan lo japonés y lo occidental, cuestionando la identidad cultural japonesa.La marca ha establecido alianzas estratégicas con Tomorrow para su expansión internacional y con Zara para una colección cápsula, utilizando el traje como producto universal y la artesanía japonesa para atraer a un público global. Este artículo fue originalmente publicado en otro idioma dentro de la red internacional de FashionUnited y después traducido al español usando una herramienta de inteligencia artificial. FashionUnited ha implementado herramientas de inteligencia artificial para agilizar la traducción de artículos entre nuestras plataformas, pues contamos con una red global de periodistas activos en más de 30 mercados, ofreciendo inteligencia empresarial y los contenidos más recientes en 9 idiomas. Esto permite que nuestros periodistas puedan dedicar más tiempo a la investigación y redacción de artículos originales. Los artículos traducidos con ayuda de IA son siempre revisados y editados por un editor humano antes de su publicación. Si tienes preguntas o comentarios sobre este proceso, escríbenos a info@fashionunited.com

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Kacey Sharrett, directora digital de Hanna Andersson Credits: Hanna Andersson Hanna Andersson, la firma de moda infantil premium reconocida por su calidad sostenible "Hanna-Me-Down" y sus icónicos pijamas a juego para toda la familia, ha anunciado oficialmente el nombramiento de Kacey Sharrett como directora digital. En este puesto de liderazgo estratégico, Sharrett será responsable de supervisar todo el ecosistema digital y la experiencia de cliente de la marca. Su principal cometido consistirá en liderar estrategias innovadoras para reforzar la captación, el engagement y la fidelización a largo plazo, mientras la compañía continúa acelerando su transformación digital y expandiendo sus operaciones a escala global. Sharrett se incorpora a la firma con sede en Portland con casi veinte años de experiencia en los sectores de venta directa al consumidor y ecommerce. Recientemente, ocupó el cargo de directora de venta directa al consumidor en GoPro, donde desempeñó un papel fundamental en el impulso del crecimiento digital internacional y las iniciativas de performance marketing. Su amplia trayectoria profesional incluye también el puesto de vicepresidenta de ecommerce y operaciones digitales en Barnes & Noble, Inc., así como 15 años en diversos cargos directivos en Toys "R" Us y Babies "R" Us. Aimée Lapic, consejera delegada de Hanna Andersson, expresó su plena confianza en el nuevo nombramiento, destacando que la "visión estratégica y profundo conocimiento digital" de Sharrett son activos fundamentales para el futuro de la compañía. Lapic subrayó que la probada capacidad de Sharrett para modernizar las capacidades digitales y gestionar equipos de alto rendimiento será esencial para descubrir nuevas formas de conectar con los consumidores de esta marca con 40 años de historia. Al comentar su nuevo cargo, Sharrett destacó el legado único de la marca y su leal base de clientes, expresando su entusiasmo por perfeccionar los procesos y alianzas necesarios para respaldar la expansión continuada de Hanna Andersson en el competitivo mercado de la moda infantil premium. Este artículo fue originalmente publicado en otro idioma dentro de la red internacional de FashionUnited y después traducido al español usando una herramienta de inteligencia artificial. FashionUnited ha implementado herramientas de inteligencia artificial para agilizar la traducción de artículos entre nuestras plataformas, pues contamos con una red global de periodistas activos en más de 30 mercados, ofreciendo inteligencia empresarial y los contenidos más recientes en 9 idiomas. Esto permite que nuestros periodistas puedan dedicar más tiempo a la investigación y redacción de artículos originales. Los artículos traducidos con ayuda de IA son siempre revisados y editados por un editor humano antes de su publicación. Si tienes preguntas o comentarios sobre este proceso, escríbenos a info@fashionunited.com

Fashion United

Hoy la moda se piensa desde la cabeza, con piezas personalizadas que combinan estilo, nostalgia y funcionalidad.

El Tiempo

Aquí te cuento cómo mantengo mi energía durante todo el día para ser altamente productiva sin depender de la cafeína. The post Trabajo más de 50 horas a la semana y casi nunca me siento cansada: estos hábitos me ayudan a tener energía natural todo el día appeared first on Entrepreneur en Espanol.

Entrepreneur En Español

Reconocida marca de ropa cerrará todas sus tiendas en Bogotá: "Fue importante para mucha gente". Quedaba en famoso centro comercial.

Pulzo

Con la llegada del nuevo año, la moda silencia la discreción y celebra la expresión. Un repaso por las prendas, tonos y estilos que marcan tendencia.

El Tiempo

Famosa por revolucionar electrodomésticos como aspiradoras, purificadores de aire y secadores de pelo se ha consolidado como líder mundial en el mercado de lujo El artículo Dyson, la revolución de la ingeniería británica que conquista el mercado colombiano con su Airwarp para el cabello fue publicado originalmente en Las2orillas. Copyrights Las2orillas.co

Las2orillas

Incluso la industria del lujo se enfrenta a la necesidad de utilizar la tecnología para abordar problemas reales. El Istituto Marangoni responde con una nueva división de cursos para directivos y autónomos con talento.

Wired

Tendencias de moda 2026: los colores que dominarán el año El blanco toma mayor protagonismo, mientras que el rojo y los verdes se renuevan. El marrón seguirá siendo protagonista. El azul también se mantiene entre los favoritos

El Nuevo Siglo

La presidenta de México, Claudia Sheinbaum, habla sobre la dimisión de Gertz Manero durante una rueda de prensa en el Palacio Nacional de Ciudad de México. Créditos: Eyepix / NurPhoto / NurPhoto vía AFP. San Pedro Mártir, México - El armario de la presidenta de México, Claudia Sheinbaum, es más que una declaración de estilo; se ha convertido en un lienzo para su mensaje político de promoción de los derechos de las mujeres y de los pueblos indígenas. La líder de izquierdas, primera mujer presidenta de México, recurre con orgullo a pequeños sastres locales y evita “esas marcas que son súper caras”, en sus propias palabras. Por el contrario, apoya a “las tejedoras, las bordadoras, todas las que utilizan telares de cintura en nuestro país —en su mayoría mujeres— que son un orgullo nacional”, declaró recientemente a la prensa la política de 63 años. El Gobierno mexicano se ha enfrentado a marcas famosas como Adidas, Shein, Zara y Carolina Herrera por la presunta apropiación cultural de diseños tradicionales. Y en sus propias elecciones de moda, Sheinbaum ha optado igualmente por dar crédito a quien corresponde y por apoyar a quienes puede en el camino. “Su ideología siempre ha estado muy centrada en los derechos de las personas, en la igualdad; incluso en su forma de vestir”, según la asesora de imagen mexicana Gabriela Medina. “Resistencia feminista” Sheinbaum fue incluida en la lista de las 67 personas con más estilo de 2025 de The New York Times, siendo la única política del grupo. Una de las responsables de su imagen es Olivia Trujillo, que dirige una pequeña sastrería desde su casa en el bullicioso barrio de San Pedro Mártir, a las afueras de Ciudad de México. “Sus colores favoritos, sin duda, diría que son el morado y el burdeos”, declaró a la AFP la patronista y modista de 63 años, entre sus máquinas de coser y un maniquí sobre el que confecciona el vestuario presidencial. Trujillo fue llamada recientemente al Palacio Nacional para la prueba final de un vestido morado con flores finamente bordadas que Sheinbaum lució en diciembre en su primer encuentro cara a cara con el presidente de Estados Unidos, Donald Trump, y el primer ministro de Canadá, Mark Carney, en Washington. “El color morado se asocia con el poder, la autoridad, el lujo, la realeza, la espiritualidad y la sobriedad”, dijo Medina sobre la elección de Sheinbaum. Es también el color “que ha adoptado el movimiento de resistencia feminista”, añadió. “La imagen da forma a la autoridad” Otra elección emblemática de Sheinbaum fue el vestido que lució en su toma de posesión en octubre de 2024: una creación de color marfil hasta la rodilla con flores silvestres bordadas en cascada por un lado. La parte superior se dejó lisa “para que destacara la banda presidencial”, recordó Trujillo. Las flores fueron minuciosamente cosidas a mano sobre la tela por Claudia Vázquez, una mujer indígena zapoteca de 43 años que declaró a la AFP que casi había renunciado al bordado, su primer amor. El interés de Sheinbaum por su arte “le ha cambiado la vida”, afirmó en Oaxaca, en el sur de México, esta licenciada en administración de empresas, donde ahora ejerce su arte. En el centro del país, en el pueblo de San Isidro Buen Progreso, vive otra bordadora a cuyos servicios ha recurrido la presidenta. Virginia Arce, de 48 años, decoró el vestido de gala que Sheinbaum lució en septiembre, cuando se convirtió en la primera mujer en dar el Grito de Independencia, un llamamiento a la revuelta contra el dominio español que se sigue celebrando cada año. “La presidenta eligió los tonos y un pájaro que le gustaba mucho: era una golondrina”, recordó Arce. La tarea le llevó dos meses, pero el resultado mereció la pena cuando vio a la jefa de Estado salir al balcón presidencial con su obra. Fue el día “que más satisfacción me ha dado”, dijo Arce. La analista de género Laura Raquel Manzo señala el peligro de estereotipar a las mujeres analizando lo que visten, un escrutinio que tradicionalmente no se aplica a los líderes masculinos. En este caso, sin embargo, ignorar las deliberadas elecciones de vestuario de Sheinbaum sería “negar cómo la imagen da forma a la autoridad”, dijo Manzo. Este artículo fue originalmente publicado en otro idioma dentro de la red internacional de FashionUnited y después traducido al español usando una herramienta de inteligencia artificial. FashionUnited ha implementado herramientas de inteligencia artificial para agilizar la traducción de artículos entre nuestras plataformas, pues contamos con una red global de periodistas activos en más de 30 mercados, ofreciendo inteligencia empresarial y los contenidos más recientes en 9 idiomas. Esto permite que nuestros periodistas puedan dedicar más tiempo a la investigación y redacción de artículos originales. Los artículos traducidos con ayuda de IA son siempre revisados y editados por un editor humano antes de su publicación. Si tienes preguntas o comentarios sobre este proceso, escríbenos a info@fashionunited.com

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Credits: Pexels El tema de la sustentabilidad en la moda no deja de crecer. Cada vez más marcas están buscando incluir mejores prácticas para ofrecer ropa que tenga un menor impacto en el medio ambiente. Ya sea a través de materiales o de procesos, el tema de la sustentabilidad va creciendo. Pero aún hay un largo camino por recorrer y una de las piezas clave está en los consumidores. Si los consumidores aprenden un poco más sobre lo que realmente es sustentabilidad y comienzan a comprar ropa que siga estos principios, el proceso de encaminar la industria hacia un futuro sostenible se acelerará. La pregunta está en ¿cómo comenzar a consumir ropa sustentable? En FashionUnited conversamos con Mireille Acquart, fundadora de Ethical Fashion Space en México, y con Valentina Suárez, directora del movimiento internacional de moda sostenible latinoamericana, Universo Mola. Las expertas en moda sostenible en América Latina nos compartieron varias recomendaciones sobre cómo puede un consumidor final aprender a tener un guardarropa más sustentable. A continuación, ocho tips para ser un consumidor de moda más sostenible. Mantente informado Estudia sobre los términos para que cuando te encuentres con información sobre sostenibilidad no sea confuso. Por ejemplo, mucha gente no sabe bien qué es reciclaje en las prendas y desconoce que éste se refiere a la fibra, y no a la prenda final como tal. Conocer el detalle hará más relevante esta información cuando sea el momento de tomar una decisión de compra. Información al respecto se puede encontrar en universomola.com por ejemplo. Ve paso a paso No es posible tener un clóset hiper-sostenible de la noche a la mañana. Comienza con la siguiente compra que hagas, ve aprendiendo sobre sostenibilidad y haz una revisión de tu clóset actualmente. Haz una reflexión crítica antes de hacer una compra Evita las compras de impulso y analiza tus decisiones. Primero, haz una serie de preguntas. ¿Realmente necesito comprar algo nuevo? Si sí, entonces ¿dónde lo puedo conseguir? ¿Por qué se lo voy a comprar a esa persona o tienda? Hacer estas preguntas nos permite reconectar con el por qué compramos las cosas y el uso que les damos. Revisa tus opciones Cuando necesites hacer una compra busca en un emprendimiento local primero. Comprar local es clave para la sostenibilidad. Si no encuentras lo que estás buscando entonces abarca el siguiente nivel y búscalo en una marca que esté trabajando con temas de sostenibilidad. El último recurso sería marcas de moda rápida. Usa sosteniblemente La sostenibilidad también está en el uso que le das a las prendas. Incluso si se trata de ropa de una marca de fast fashion, puedes hacer un uso más sostenible de la misma. Primero, elige una prenda que al revisarla se vea que va a ser duradera. Compra algo que realmente vayas a usar mucho tiempo. Para ello, es preferible que sea lo más atemporal posible. Así, aunque la prenda no esté producida de manera sostenible, la compra sí lo es. Ten visión a largo plazo No caigas en tendencias efímeras. Haz compras mucho más inteligentes y comprométete con tus prendas. Si hay una tendencia con prendas que vas a usar solo una vez, lo que estás comprando es ropa desechable, y eso es totalmente insostenible. Cuando realices una compra hazlo porque es algo que va a acompañarte en el tiempo. Haz un presupuesto Es muy común escuchar que las personas no compran marcas sostenibles porque son más caras. El primer paso es hacer una reflexión financiera, tener un presupuesto personal en donde sepas cuánto vas a invertir en ropa y calzado. Esto hará que tomes decisiones informadas cuando compras ropa en lugar de hacer compras impulsivas. También permitirá conocer las verdaderas opciones que tienes para comprar e incluso puedes considerar otras alternativas, como plataformas con ropa de segunda mano. Revisa tu guardarropa actual Haz una auditoría de tu clóset para ver qué prendas tienes y qué necesitas. Habrán piezas que prefieras donar y esto te dará claridad de lo que te hace falta. Además, empieza por reparar tu guardarropa. Habrán prendas que conecten contigo y solo necesitan algún arreglo en lugar de comprar algo totalmente nuevo. Es muy importante cuidar lo que compramos. Hay que honrar cada prenda que consumimos, sin importar cuánto costó, porque detrás de cada una hay recursos, tiempo, mucho esfuerzo y una cadena productiva impresionante.

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Ponte al día sobre moda y cultura para 2026 Créditos: Unsplash Substack se ha convertido en la nueva pasarela para las voces más influyentes de la moda. Compradores, periodistas, minoristas y socialités comparten con sus lectores —a menudo también seguidores fieles— sus observaciones sobre lo que realmente está marcando el pulso del sector. FashionUnited ha preparado una selección de las newsletters más interesantes. Back Row (Amy Odell) Amy Odell es periodista de moda y autora del bestseller “ANNA: The Biography”, sobre Anna Wintour. En Back Row, combina un estilo de reportaje incisivo con comentarios culturales y analiza con humor lo que ocurre en los márgenes de esta industria tan hermética. ¿Qué impulsa a las marcas a seguir innovando? ¿Quién compra exactamente en Gucci y qué tipo de cliente atrae Dior? Thank You For Your Order (Gijs Veening) Gijs Veening, conocido por su cuenta de TikTok ThankYouForYourOrder, aprovecha su experiencia como comprador de moda en su newsletter. Comparte análisis de tendencias, ideas de estilismo y marcas poco conocidas que, en su opinión, merecen un lugar en el surtido de cualquier tienda, a menudo con el apoyo de vídeos e imágenes. Blackbird Spyplane (Jonah Weiner & Erin Wylie) Blackbird Spyplane es una publicación de culto escrita en formato de ensayo. Sus autores utilizan sus propias experiencias, a menudo irónicas, para explicar las fusiones entre moda, música y cultura. Una combinación de conversaciones con insiders como Andre 3000 y Héctor Bellerín y profundas reflexiones sobre el estilo y la identidad. The Cereal Aisle (Leandra Medine Cohen) Leandra Medine Cohen, fundadora del influyente blog Man Repeller, consolida con Cereal Aisle su reputación como una de las voces más agudas e ingeniosas de la moda, y comparte aquello en lo que es experta: consejos de estilo. Se aprende mucho de su forma de observar el street style. Por ejemplo, los abrigos de hoy en día: muestran un “comportamiento de pavo real”. Shop Rat (Emilia Petrarca) Emilia Petrarca trabajó como redactora de moda sénior en The Cut y ha escrito para Vogue y The New York Times. En Shop Rat, conversa con compradores en su ciudad, Nueva York, para investigar, por ejemplo, por qué un “flaccid tote” (bolso) puede provocar un “subidón” a quien lo lleva. Una forma accesible de periodismo de moda sobre el estilo y la cultura del retail que, de paso, revela por qué las tiendas físicas siguen siendo importantes. Magasin (Laura Reilly) Laura Reilly ofrece en Magasin una mezcla de reportajes culturales y una cuidada selección de productos que dicen algo sobre el espíritu de nuestro tiempo. La trayectoria de Reilly incluye el periodismo para cabeceras de referencia como Vogue. Con su buen ojo para la innovación en moda y retail, analiza los looks de pasarela, crea guías de rebajas y hace observaciones sobre “lo que se cuece”. Line Sheet (Lauren Sherman vía Puck.news) Lauren Sherman es un nombre consolidado gracias a sus reportajes para medios como Business of Fashion, entre otros. En Line Sheet, se sumerge en la mecánica del mundo de la moda: desde el comportamiento del consumidor hasta la filosofía que hay detrás de las decisiones estratégicas de las marcas de lujo. Analiza lo que ocurre en bolsa, interpreta los cambios importantes de CEO y entiende lo que eso significa para la marca. The Allison Bornstein Newsletter (Allison Bornstein) Allison Bornstein es estilista personal y “terapeuta de armario”, pero desde la publicación de su práctico libro “Wear it Well”, es sobre todo una “voz” en la moda. En su newsletter, continúa con los consejos: ¿cómo se organiza un armario? ¿Qué diferencia el estilo de Nueva York del de Los Ángeles? Es mejor saberlo, incluso como profesional. Brain Matter (Gabriella Karefa-Johnson) Gabriella Karefa-Johnson es estilista y exeditora de moda en Vogue. En Brain Matter, utiliza su plataforma para reflexiones profundas y personales sobre moda, identidad y cultura: ¿por qué algunas colecciones resuenan tanto y otras no conectan en absoluto con el público? ¿Qué hace realmente la moda por la visibilidad y la representación? La moda adquiere más valor cuando alguien con conocimiento del sector reflexiona sobre estos grandes temas. Culture (W. David Marx vía Ghost) El autor de Culture es tan anónimo y silencioso como la plataforma a través de la que se comunica (Ghost). El escritor estadounidense W. David Marx describe como observador cómo la cultura y el arte se manifiestan en su entorno. El resultado son bellos y breves ensayos y análisis en los que la moda es un tema secundario pero importante. 1 Granary 1 Granary es una plataforma de educación de moda ya consolidada, fundada por estudiantes de diseño con voz propia; la newsletter —con nuevos artículos que no se pueden leer en la web— continúa con la misión de hacer la industria más accesible, con consejos concretos para creativos de la moda, reflexiones sobre la enseñanza de la moda y consejos prácticos para triunfar en el sector. Este artículo fue originalmente publicado en otro idioma dentro de la red internacional de FashionUnited y después traducido al español usando una herramienta de inteligencia artificial. FashionUnited ha implementado herramientas de inteligencia artificial para agilizar la traducción de artículos entre nuestras plataformas, pues contamos con una red global de periodistas activos en más de 30 mercados, ofreciendo inteligencia empresarial y los contenidos más recientes en 9 idiomas. Esto permite que nuestros periodistas puedan dedicar más tiempo a la investigación y redacción de artículos originales. Los artículos traducidos con ayuda de IA son siempre revisados y editados por un editor humano antes de su publicación. Si tienes preguntas o comentarios sobre este proceso, escríbenos a info@fashionunited.com

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Las casas de los colombianos cada año se vuelven una pasarela para recibir el nuevo año con la mejor pinta, aunque este año las tendencias han sido muy marcadas, por eso, Noticias Telemedellín recorrió el centro de la ciudad a preguntar qué es lo más vendido este fin de año. Tras un 2025 lleno de […]

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Los podcasts también fueron un medio de comunicación popular en 2025. Créditos: Unsplash Con más de cuatro millones y medio de podcasts en todo el mundo y un público que recurre cada vez más al audio para informarse, los podcasts son una parte innegable de la cultura y también lo serán del próximo año de la moda. FashionUnited Internacional ha seleccionado algunos de los programas más influyentes que seguirán en antena en el futuro próximo. Todos ellos están disponibles en inglés y ofrecen una mirada internacional a las conversaciones que hoy atraviesan la industria, desde la creatividad y el negocio hasta la sostenibilidad y la cultura. Fashion Neurosis La diseñadora Bella Freud rompió con el rígido formato del estudio de podcast clásico para explorar la carga emocional de la ropa. Actores, diseñadores y otros creativos de renombre se sientan en su sofá para una conversación íntima sobre su relación personal con el estilo, no como una suma de tendencias, sino como una expresión de deseos e inseguridades personales. La moda se convierte en una forma de autoanálisis, con Freud en el papel de terapeuta, algo que encaja a la perfección con sus destacados invitados, como Marina Abramović, una revolucionaria en el campo de la práctica performativa. Chanel Connects La moda puede volverse terriblemente intelectual cuando dejas que artistas, escritores, intérpretes y comisarios visionarios hablen de lo que realmente importa. Así lo demostró Chanel con “Chanel Connects”. La quinta temporada tiene lugar en La Pausa, la “villa mediterránea ideal” en la Riviera Francesa que la propia Gabrielle Chanel diseñó, y está presentada por Yana Peel, Presidenta de Arte, Cultura y Patrimonio de la marca de lujo. Un episodio extra especial se grabó en directo en el Museo Guggenheim de Nueva York, en el que las artistas Sarah Sze y Julie Mehretu conversan con Peel sobre la creatividad, la abstracción y el papel del arte como motor del cambio. Articles of Interest Avery Trufelman nació en una familia de comunicadores. Lleva años trabajando como productora de radio y se dio a conocer con Articles of Interest, un podcast sobre las peculiaridades de la industria de la confección, y más concretamente sobre los propios objetos. Una hora de conversación sobre cremalleras no es aburrida si da pie a una narrativa sobre historia, cultura, tecnología e identidad compartidas. En 2025, Trufelman volvió a abrir un debate relevante con la miniserie Gear, sobre la influencia del diseño militar en las elecciones de vestuario cotidianas, desde las field jackets hasta el gorpcore. Fashion People Fashion People es una extensión de Line Sheet, la newsletter privada de Lauren Sherman en la que analiza lo que ocurre en el mundo de la moda y la belleza. En la versión podcast, habla con insiders de esta industria multimillonaria para profundizar aún más: desde las esperanzadoras estrategias de los directores creativos hasta la visión de la moda de la exprimera dama Michelle Obama. Dressed: The History of Fashion La historiadora Cassidy Zachary guía a sus oyentes a través de la historia de la moda, situando los hechos históricos en un contexto social contemporáneo. ¿Qué dice el corsé sobre el “yo” y el “nosotros” ahora que vuelve al armario de la Generación Z? A propósito del cambio de año, destaca el episodio con Tim Gunn, del programa de televisión de moda estadounidense “Project Runway”, sobre su original lema “Make it Work”. ¿Qué hace que la moda tenga éxito en 2026? Manufactured En otro año lleno de escándalos sobre prácticas laborales poco éticas en las largas y opacas cadenas de la moda, el podcast Manufactured de Kim van der Weerd ofrece un punto de apoyo. Trabajó durante años en la producción de ropa, incluso como directora de fábrica en Camboya, y ahora investiga prácticas comerciales justas para las partes interesadas del final de la cadena, a través de la Transformers Foundation y como cofundadora del Fashion Producer Collective. En el podcast, da voz a profesionales anónimos con grandes conocimientos, como Bergson Wang (episodio 100), un experto chino en compliance que explica por qué las auditorías no siempre son fiables. Wardrobe Crisis La periodista de moda y experta en sostenibilidad Clare Press se sumerge en Wardrobe Crisis para analizar las tensiones entre estilo, ética y medio ambiente. Así, investiga cómo la producción de algodón amenaza los recursos hídricos de la India, con aportaciones de diseñadores e investigadores, y destaca cómo los comerciantes de ropa vintage y los analistas de datos cuantifican el fenómeno de la moda pre-loved. Con un toque de ingenio, Press demuestra que la moda puede ser un negocio sin trasladar los costes a las partes más vulnerables de la cadena global. The Cutting Room Floor La diseñadora Recho Omondi demuestra ser una excelente entrevistadora: honesta, crítica y sin filtros. En The Cutting Room Floor, conversa con diseñadores, directores creativos, directores ejecutivos y talentos emergentes sobre temas como el phygital, el marketing y el branding, a menudo en la intersección con otras disciplinas, como la gastronomía con Sue Chan o el bienestar con Gwyneth Paltrow, sobre las que la moda, de un modo u otro, siempre opina. Brendawareness Brenda Weischer (conocida como Brendahashtag en Instagram) graba su podcast como cabría esperar de una influencer: en casa, en el salón, con su teléfono. Sus crónicas de los desfiles y los eventos de alfombra roja son como una nota de voz para un buen amigo. Es precisamente esa forma íntima de narrar lo que atrae a tantos oyentes. Brenda es también una inspiración para los jóvenes profesionales por sus reflexiones sobre el personal branding y la construcción de la imagen, incluido el lado negativo: estar constantemente conectado afecta a nuestro bienestar. Fashion Radio Fashion Radio de SHOWstudio, presentado por DJ Fat Tony, explora la fusión de la moda y la música. En cada episodio, líderes de la industria, desde diseñadores hasta estilistas y modelos, hablan de su proceso creativo, de los hitos de su carrera y de cómo la música influye en su trabajo. La importancia de tener un ritmo propio queda patente en el episodio con la modelo Debra Shaw, que encarna su carácter de diosa en la pasarela gracias a la música. FashionSucks Desde FashionUnited España, no podíamos dejar de recomendar Fashion Sucks, el podcast conducido por Alba Melendo y Raquel Fernández Sobrín, sumerge a los oyentes en una conversación íntima y profesional sobre los iconos que han marcado su trayectoria en la moda y en la vida. Este artículo fue originalmente publicado en otro idioma dentro de la red internacional de FashionUnited y después traducido al español usando una herramienta de inteligencia artificial. FashionUnited ha implementado herramientas de inteligencia artificial para agilizar la traducción de artículos entre nuestras plataformas, pues contamos con una red global de periodistas activos en más de 30 mercados, ofreciendo inteligencia empresarial y los contenidos más recientes en 9 idiomas. Esto permite que nuestros periodistas puedan dedicar más tiempo a la investigación y redacción de artículos originales. Los artículos traducidos con ayuda de IA son siempre revisados y editados por un editor humano antes de su publicación. Si tienes preguntas o comentarios sobre este proceso, escríbenos a info@fashionunited.com

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El Carlton de Cannes es un símbolo de la riqueza del patrimonio de la ciudad. Los invitamos a conocer por dentro este antiguo palacio, monumento nacional francés, y hoy uno de los hoteles más suntuosos del mundo. Los llevamos a descubrir su versión moderna y poética de la bûche de Navidad, reina de la cena francesa en fiestas decembrinas. Y nos colamos en la comedia musical Chicago, que viaja directamente desde Broadway hasta el Casino de París.

RFI

Credits: Cortesía Peletería Lofarey Entrevista Al hablar de moda, lo primero que brinca a la mente es la imagen de algún producto terminado. Un vestido, una pasarela, un escaparate, tal vez. Sin embargo, la moda comienza desde mucho antes y para que se logre ese producto es un proceso que pasa por la imaginación de un creativo, la elaboración de la pieza, y, muy importante, la participación de proveeduría especializada. Dentro del mundo de la proveeduría hay un área que ha evolucionado a lo largo del tiempo: las peleterías. Las peleterías tienen siglos de antigüedad, desde la época prehispánica el uso de pieles para vestir ha existido, pero eso no significa que no haya evolucionado. Las prendas con pieles han pasado por múltiples significados, incluyendo símbolo de estatus social, hasta cuestionamientos por temas de sustentabilidad. Esta larga historia ha hecho que la labor de las peleterías haya cambiado a lo largo del tiempo no sólo especializándose en sus técnicas, sino innovando en los materiales. Y ahora, es un momento clave para que se preparen más cambios. En FashionUnited conversamos con Lizbeth Díaz, directora de Peletería Lofarey en la Ciudad de México para descubrir un poco de la evolución detrás de este sector. De acuerdo con la experta, una peletería hoy en día es más que sólo un lugar en donde encontrar pieles. Hoy en día abarca más y es el lugar de venta de pieles finas, herrajes y otros utensilios para tapicería, marroquinería y talabartería y/o cualquier accesorio fabricado con piel, vinipiel o sintético. Díaz comenta que crear es el arte de transformar, y en este caso para crear moda es transformar la materia prima. Así que la moda comienza con preguntas como: ¿De qué tamaño?, ¿Qué color?, ¿Mate o brilloso?, ¿Qué textura? ¿Con relieve, estampado o liso? La directora comparte que estas preguntas son el día a día de la operación de la peletería con más de 65 años de historia. Pero para ella, son estas preguntas el primer paso para convertir la materia prima en un diseño vivo. Diversificar: la clave para una industria que resiste el paso del tiempo La piel solía tener la reputación de ser el mejor aliado para la fabricación de artículos resistentes y duraderos, pero con el paso del tiempo el mercado comenzó a buscar materiales que fueran más allá de lo sencillo y lo convencional. Este nuevo interés del público le dio la aceptación a lo que muchos conocen como “vinipiel” o “piel sintética”. En un inicio este tipo de materiales no competía con la calidad de la piel, pero la tecnología detrás de los mismos ha mejorado sustancialmente con los años. La textura plastificada de los primeros sintéticos ha mejorado de manera contundente, al punto que hoy en día resulta complicado, a simple vista, identificar si algún producto está elaborado o no con piel genuina. Ahora, la combinación de la calidad de estos materiales alternativos y la creciente conciencia ecológica de los consumidores han sido factores importantes para impulsar el uso de textiles y sintéticos con el fin de reemplazar el alto consumo de piel animal que se daba anteriormente. No obstante, recientemente ha habido un resurgimiento del interés por el trabajo con pieles, apostando por la durabilidad de las mismas, lo que está creando un balance en la demanda de distintos tipos de materiales. Los sintéticos se han convertido en pieza clave de las peleterías en los últimos años. Credits: Peletería Lofarey Otra de las tendencias que ha hecho evolucionar a la industria en los últimos años es la creciente participación del consumidor en las prendas que utiliza y las opciones de personalización que tiene a la mano. Anteriormente, el calzado, las bolsas y los cinturones representaban producciones masivas en colores de temporada y con un número de diseños limitado. Pero Díaz explica que hoy en día a través de la personalización de estos artículos, se ofrece al consumidor la oportunidad de involucrarse para que escojan la materia prima. El abanico de opciones se está expandiendo de tal manera que el consumidor y el diseñador hoy establecen una relación más estrecha. Una nueva propuesta para un negocio de larga tradición De acuerdo con la directora de Peletería Lofarey, la clave para mantenerse actualizado en una industria con siglos de historia está en mantenerse actualizados y estudiar las tendencias no sólo para elegir la oferta de materias primas, sino para renovarse como negocio constantemente. La empresa mexicana busca ser más que un espacio de venta y apuesta por ser un espacio de inspiración y libertad para los creativos. Para ello se han comprometido con la investigación de tendencias en el mundo de la moda y así ser consultores y aliados de sus clientes, en lugar de ser sólo proveedores. Para ello desvelaron un concepto renovado de punto de venta, “una peletería reinventada” como lo describe la directora en donde se integra tecnología, más de 600 muestras de textiles, pieles y sintéticos en exhibición y una inmensa paleta de colores. La peletería elimina el tradicional mostrador y adopta un diseño estilo galería con muestras que ofrecen una experiencia sensorial. Credits: Peletería Lofarey Parte de la reinvención del concepto de Peletería Lofarey comenzó con la experiencia del cliente. Este tema no suele ser lo primero en la mente cuando se trata de proveeduría, ya que el tema de experiencia se relaciona más con el cliente final. Sin embargo, para cambiar esto el punto de venta dejó de ser el local tradicional con un mostrador y con los rollos de piel en la parte posterior de la tienda como se ha hecho por décadas. La tienda es ahora una galería en donde la materia prima está al alcance del cliente. Al entrar a la peletería es como entrar a un armario en donde la persona puede explorar con la vista y el tacto las muestras en exhibición. Poder ver las posibilidades de esta manera se ha convertido en uno de los principales diferenciadores para ejecutar la decisión de seleccionar el artículo indicado para la creación en proceso. Así, los clientes, los creativos, pueden adentrarse en el mundo de matices, brillos, colores cálidos y fríos, materiales iridiscentes y reflejantes que destapen su imaginación. El nuevo paso de reinvención para una industria con siglos de historia no es sólo en cuanto a materiales, sino en cuanto a experiencia del cliente. Credits: Peletería Lofarey “Es un hecho que todo cambia y se transforma con el paso del tiempo. La evolución es inminente y nosotros no fuimos la excepción. Sin embargo, es importante identificar los pilares que deben seguir sosteniendo la esencia de este lugar. Por ello nuestro slogan es contundente: “tu estilo, nuestra calidad”. Queremos ser los aliados de los creativos, para que puedan transformar las materias primas en magníficos diseños sabiendo que los respalda una empresa que prioriza la calidad,” declaró la directora, Lizbeth Díaz. Por su parte, Carmen Reyes, cofundadora de Peletería Lofarey, compartió con FashionUnited que todo negocio evoluciona en proporción a las necesidades de sus clientes. “Hoy los jóvenes tienen la fuerza laboral de México y muchos de ellos están emprendiendo, por lo que a nosotros nos toca poner a su disposición un espacio donde su creatividad se vea inspirada y su visión e imaginación logre encontrar la materia prima para bajar al campo de fabricación todas y cada una de sus inspiraciones.” Crear un espacio que no sólo sea un mostrador, sino una experiencia responde tanto a las necesidades de nuevas generaciones como al objetivo de evolucionar el papel del proveedor en la relación con sus clientes. Rafael López, Carmen Reyes y Lizbeth Díaz. Credits: Peletería Lofarey Por su parte, Rafael López, gerente de ventas, destacó la importancia de la diversificación de los materiales, dándole a los clientes más opciones para poder dar vida a sus conceptos. Al respecto, puntualizó: “es indispensable que la materia prima cuente con calidad, resistencia, moda y versatilidad. Es por ello que independientemente de ofrecer materiales que el mismo mercado ha determinado como “básicos”, en Lofarey estamos comprometidos a ofrecer materiales exclusivos, previamente seleccionados e importados directamente de China, con el fin de ponerlos a disponibilidad del mercado mexicano y con ello impulsar a seguir sembrando el pensamiento que lo hecho en México está bien hecho” Capacidad de reinvención: lo que mantiene vigente a una industria Como parte de la reinvención del papel de una peletería, los directivos compartieron que actualmente la diversificación no sólo debe realizarse en el producto, sino también en los servicios que se ofrecen. Para mantenerse relevante para los clientes en un momento en el que el tiempo es clave, hay que convertirse en ese espacio en donde pueden encontrar más de una solución. Para ello aumentaron su oferta de servicios, tales como bondeado y sublimado de textiles, además del laminado de sintéticos, procesos que para muchas cadenas de producción de accesorios, resultan imprescindibles ya que eficientan los tiempos de producción y por consecuencia logran aumentar su calidad de fabricación notablemente. La digitalización, la era de información inmediata y los acelerados cambios tecnológicos de nuestros días han hecho evolucionar a cada una de las esferas de la cadena de fabricación de un diseño, incluso a aquellos sectores con siglos de historia. Sin embargo, en el nicho de prendas y accesorios del vestir, así como la talabartería, sigue resultando imprescindible y esencial sentir y experimentar de primera mano la materia prima. Esa fracción del proceso debe llevarse a cabo de manera presencial para lograr conjugar un estilo con su textura ideal. La evolución, por lo tanto, de industrias como la peletera, camina hacia un espacio con más presencia, hacia una experiencia sensorial en donde los creativos puedan pausar, mirar, sentir, oler, e imaginar. “Nuestro objetivo era crear ese espacio en donde viven miles de posibilidades. Un espacio donde te encuentres rodeado de un universo de colores, texturas y relieves. Donde los creativos logran darle forma y hacer palpables sus ideas. Buscamos crear el lugar donde encuentren la materia prima ideal que cumpla con las características deseadas y necesarias para su proyecto, y convertirnos en un aliado clave para la elaboración de diseños. Esa es la misión que Lofarey orgullosamente trabaja día a día” concluyó la directora.

Fashion United

ANÁLISIS La primera tienda parisina de Reformation. Créditos: Reformation La sucesión de insolvencias, reestructuraciones y cierres de tiendas que sacude al retail de moda en distintos mercados —con la gama media especialmente expuesta— confirma el agotamiento de un modelo económico basado en el volumen, en la activación del consumidor a través de un uso cada vez más intensivo de las rebajas y en una expansión física que, durante años, pareció incuestionable. El resultado es un exceso de stock estructural que sigue erosionando márgenes y comprometiendo la rentabilidad del sector. Pero esta crisis no es un callejón sin salida. Funciona más bien como un revelador. Tras el colapso del paradigma de la fast fashion, emergen nuevos modelos de creación de valor: más eficientes en capital, más precisos en la oferta y mejor alineados con los hábitos contemporáneos de consumo. Ese es el diagnóstico de Eight Advisory, la agencia de consultoría francesa identifica cinco palancas de crecimiento capaces de restaurar simultáneamente la rentabilidad financiera y la deseabilidad de las marcas. Para descifrar sus implicaciones, Luc de Saint Sauveur, Socio, y Élise Rohart, Directora del equipo de Estrategia, ofrecen una lectura estratégica y operativa —sin concesiones— de las “salidas airosas” para un sector que se encuentra en una encrucijada. El exceso de stock: la patología estructural del modelo de la fast fashion Aunque el debate público se centra en la inflación o la erosión del poder adquisitivo, la fragilidad del modelo de la fast fashion tiene su origen en otro lugar: en un indicador operativo central, el stock. “Lo que observamos de forma muy concreta es que el exceso de stock se ha convertido en la enfermedad crónica del retail y de la fast fashion”, explica Luc de Saint Sauveur, especialista en reestructuración de empresas. “Desencadena un círculo vicioso que degrada toda la cadena de valor”. Este círculo es bien conocido: producir demasiado, demasiado pronto, conduce a una dependencia estructural de las promociones. Las rebajas se convierten en una “droga”, necesaria para dar salida a los volúmenes, pero destructiva para el margen y el precio de referencia. Las marcas llegan incluso a vender en exceso y, in fine, a perjudicar su deseabilidad. El reto, sin embargo, no es abandonar la moda accesible. “La estrategia de valor no es incompatible con la novedad”, insiste Luc de Saint Sauveur. “Se puede ofrecer una renovación rápida sin caer en el exceso de stock”. Actores como Zara han demostrado que un time-to-market muy corto, combinado con una disciplina estricta en los volúmenes, permite conciliar velocidad y control. En contra de la creencia popular, la crisis del sector no es principalmente una crisis de tesorería. “Para muchas marcas consolidadas, no se trata de un problema de gestión de la tesorería al principio. Lo que se vuelve letal es fallar una temporada, dos temporadas: el stock recuperado es tesorería inmovilizada, y tarde o temprano, se paga. A esto se suman nuevos competidores más ágiles que redefinen las reglas del juego y pillan por sorpresa a los actores históricos brick-and-mortar en sus ventas diarias”. Cinco palancas para restaurar el margen: el regreso de la integración vertical La recomposición del sector pasa por modelos más integrados, capaces de actuar simultáneamente sobre una renovación rápida del surtido, un margen bruto controlado, el riesgo operativo y la relación con el cliente. 1. DNVB: la reconquista del margen bruto Las Marcas Verticales Nativas Digitales (DNVB, por sus siglas en inglés) presentan márgenes brutos que pueden alcanzar el 70 por ciento, o incluso más. Este rendimiento se basa en un doble movimiento: la desintermediación —el wholesale tradicionalmente se queda con entre el 30 y el 50 por ciento del precio final— y la adopción de modelos Direct-to-Consumer, de los cuales la preventa es la forma más avanzada. Es cierto que estas marcas internalizan costes significativos —el coste de adquisición de clientes y la logística representan del 15 al 25 por ciento de la facturación—, pero el margen recuperado a través de la desintermediación compensa ampliamente estos gastos. Por el contrario, los actores históricos siguen penalizados por “un legado de sistemas de información, activos inmobiliarios y una cierta inercia organizativa”. 2. Time-to-market: la palanca clave para los actores históricos Para el mass-market tradicional, la transformación no implica una ruptura radical, sino un ajuste progresivo. “La prioridad absoluta es el time-to-market”, sentencia Luc de Saint Sauveur. “Hay que reducir el plazo entre el diseño del producto y su llegada a la tienda”. Esta agilidad permite limitar la exposición al riesgo de la estacionalidad, ajustar rápidamente los volúmenes y reasignar el capital hacia los productos con mejor rendimiento. 3. Drop model y co-creación: recrear la deseabilidad Si la disciplina operativa protege el margen, el crecimiento pasa por la deseabilidad. El drop model y la co-creación con la comunidad responden a esta exigencia. “Los consumidores de hoy esperan un relato, un evento, una experiencia”, observa Élise Rohart. “Quieren sentirse únicos, acceder a algo limitado, efímero”. La co-creación va más allá del engagement de marketing: integra al cliente en los procesos de diseño, e incluso en el lanzamiento de las colecciones. Las marcas se acercan así a una lógica de co-construcción del lifestyle, reduciendo la incertidumbre comercial y reforzando al mismo tiempo la fidelidad. 4. La red física: de pasivo a activo Para las marcas históricas, la red de tiendas no está condenada, sino que debe ser recalificada. El punto de venta se convierte en una inversión de marketing y en un hub omnicanal, en lugar de un simple centro de beneficios. La primera decisión suele ser dolorosa: cerrar más, pero mejor. “Cerrar también es darse los medios para abrir en el lugar adecuado”, recuerda Luc de Saint Sauveur: superficies más pequeñas, ubicaciones más visibles, un modelo de negocio alineado con el tráfico real. En esta lógica, la tienda actúa como un medio de comunicación. Las pop-up stores, temporales pero con una visibilidad intensiva, ilustran este cambio: “Generan mucho tráfico, mucho ruido y refuerzan la dimensión experiencial”, señala Élise Rohart. El reto clave sigue siendo la inversión en un recorrido del cliente fluido, sin fisuras entre la web, la aplicación y la tienda. 5. ¿Puede industrializarse la preventa? La preventa actúa como una palanca directa sobre la rentabilidad neta. Elimina el riesgo de productos no vendidos y reduce mecánicamente el recurso a las rebajas. También optimiza la logística: “En los modelos de preventa, hemos observado tasas de devolución divididas por dos, que pueden llegar al 8 por ciento, en comparación con un estándar de mercado de los actores brick-and-mortar que puede alcanzar el 30 por ciento en las ventas online”, subraya Élise Rohart. Queda una pregunta esencial para el futuro del sector, ligada a la capacidad de industrialización de este nuevo paradigma: la preventa, eficaz en volúmenes limitados, ¿puede extenderse al mass-market? Para Luc de Saint Sauveur, el potencial es real: “En productos esenciales, básicos de calidad, recurrentes, se pueden alcanzar volúmenes muy significativos”. En un contexto de poder adquisitivo limitado, una preventa industrializada podría incluso competir con algunas plataformas de segunda mano: “A largo plazo, podría convertirse en una alternativa creíble a Vinted”. El fin de un modelo, no el de la moda accesible La crisis actual no es la de la moda asequible, sino la de un modelo de negocio basado en la ilusión del volumen infinito. El exceso de stock, la dilución de los márgenes y la banalización de la oferta han revelado sus límites. Los ganadores del mañana no serán ni los más rápidos ni los más baratos, sino aquellos que sepan orquestar la escasez y la exclusividad, gestionar con precisión sus flujos y transformar lo digital y la comunidad en palancas de creación de valor. En esta era post-fast fashion, la rentabilidad ya no se decreta por el tamaño de los volúmenes, sino por la precisión estratégica. Este artículo fue originalmente publicado en otro idioma dentro de la red internacional de FashionUnited y después traducido al español usando una herramienta de inteligencia artificial. FashionUnited ha implementado herramientas de inteligencia artificial para agilizar la traducción de artículos entre nuestras plataformas, pues contamos con una red global de periodistas activos en más de 30 mercados, ofreciendo inteligencia empresarial y los contenidos más recientes en 9 idiomas. Esto permite que nuestros periodistas puedan dedicar más tiempo a la investigación y redacción de artículos originales. Los artículos traducidos con ayuda de IA son siempre revisados y editados por un editor humano antes de su publicación. Si tienes preguntas o comentarios sobre este proceso, escríbenos a info@fashionunited.com

Fashion United

La industria joyera colombiana se alinea con las tendencias globales y avanza hacia un nuevo estándar de lujo moderno.

Valora Analitik

Los accesorios discretos ganan protagonismo en la moda actual, consolidándose como piezas clave para completar un look moderno y equilibrado. Collares finos, pulseras delicadas, anillos sencillos y bolsos de tamaño reducido marcan la tendencia en distintos estilos. Esta preferencia responde a la búsqueda de elegancia sin excesos. Los accesorios sutiles aportan un toque de sofisticación […] La entrada Accesorios discretos se convierten en el complemento ideal del look moderno se publicó primero en Diario del Cauca.

Diario del Cauca

La marca cuenta con establecimientos en Bogotá, Madrid, Medellín, Tunja, Villavicencio, Montería, Barranquilla, Manizales y Popayán.

El Tiempo

Credits: FashionUnited AI. RESUMEN Cada año, FashionUnited selecciona cuidadosamente a los perfiles que entrevista para ofrecer a sus lectores una lectura útil del estado real del sector. A lo largo de 2025, muchas conversaciones han girado en torno a las mismas tensiones estratégicas: el equilibrio entre oficio y escala, la necesidad de reforzar estructuras de internacionalización y el peso creciente de los datos como herramienta de decisión en producto, marketing y negocio. Esta selección reúne diez entrevistas publicadas durante el año, desde la artesanía nupcial que busca consolidarse como industria, hasta Dubái como laboratorio de expansión, pasando por la analítica aplicada a la anticipación de tendencias. Atelier Couture celebra 10 años reivindicando la moda artesanal como lujo consciente Atelier Couture. Credits: Biel Sol. A través de la conversación con Susana Vela Covisa, celebramos los diez años de trayectoria de Atelier Couture como plataforma que nació para diferenciar la costura artesanal de los circuitos de producción industrial dentro del calendario nupcial español Lee el artículo completo aquí También te puede interesar: Una nueva pureza: analizamos las claves estéticas de la novia contemporánea en Atelier Couture Madrid da la bienvenida a ScrapWorld 2025, el mayor evento de moda urbana de Europa Los fundadores de ScrapWorld, Carlos Martín, Miguel Antón y Juan Villegas. Credits: ScrapWorld. A comienzos de abril, ScrapWorld regresó a Madrid ya consolidado como uno de los principales encuentros europeos ligados al streetwear, con un formato híbrido que articula moda, cultura digital y entretenimiento. En conversación con sus tres fundadores —Carlos Martín, Miguel Antón y Juan Villegas— analizamos las claves detrás de su crecimiento y el papel que el evento ha asumido como termómetro comercial de un consumidor joven que no distingue entre producto, contenido y experiencia. La conclusión es clara: la moda urbana ya no funciona únicamente como una categoría estética, sino como un ecosistema de negocio con códigos y dinámicas propias. Lee el artículo completo aquí Paula Viana, fundadora de Spain Gallery: “La moda de autor en España necesitaba un cambio de paradigma y un impulso internacional” Paula Viana, fundadora de Spain Gallery. Credits: Carlos Sempere. En conversación con FashionUnited, Paula Viana, directora e impulsora de Spain Gallery, defendió la necesidad de repensar cómo se presenta y se comercializa la moda de autor española, especialmente en los mercados internacionales. Desde esa premisa, situó Spain Gallery como una herramienta para ordenar el relato del diseño independiente y traducirlo en una propuesta competitiva con proyección exterior. Viana también apuntó a algunas de las debilidades recurrentes del sector: una visibilidad internacional limitada, la fragmentación del ecosistema y la falta de continuidad en las estrategias de posicionamiento. En su análisis, el talento no es el problema, sino la falta de estructura y de una visión sostenida en el tiempo. Lee el artículo completo aquí También te puede interesar: Pop-up de Spain Gallery en Paris Bruno Casanovas (Nude Project): “Ya no somos solo una marca de sudaderas” Bruno Casanovas, director creativo y cofundador de Nude Project. Credits: Nude Project. A finales de abril, Nude Project eligió Ámsterdam para inaugurar su primera tienda internacional, un movimiento que marca un punto de inflexión en la hoja de ruta de la firma. Con motivo de esta apertura, el equipo de FashionUnited pudo sentarse a hablar con Bruno Casanovas, cofundador y director creativo, quien dibujó una marca en plena transición: del éxito construido alrededor de un producto icónico a la ambición de consolidar un universo más amplio, capaz de sostenerse en múltiples categorías. En ese nuevo escenario, el retail físico aparece como algo más que un canal de venta, se convierte en un espacio de relación, comunidad y construcción de marca. Pero Casanovas insistió en que el salto no es solo creativo, sino estructural. Diversificar implica reforzar operaciones y, sobre todo, mantener una coherencia férrea para crecer sin diluir la identidad que ha convertido a Nude Project en un referente generacional. Lee el artículo completo aquí También te puede interesar: Nude Project sube la persiana de su primera tienda en Alemania Nude Project prepara su salto (permanente) a Estados Unidos Así está reescribiendo Nude Project las reglas del marketing experiencial con su “Mansión” en Ibiza EN IMÁGENES - Nude Project aterriza en Ámsterdam: una tienda inspirada en Kubrick para conquistar el norte de Europa Ze García: “Quiero que se nos reconozca como a una firma de Alta Costura española” El diseñador Ze García durante el desfile de presentación de la colección “Aldamar” en el Museo Cristóbal Balenciaga de Guetaria. Credits: Ze García. Ze García tomó el micrófono para reflexionar sobre lo que implica construir una firma de alta costura en España, un terreno donde el reconocimiento se sostiene tanto por técnica como por estructura de negocio. Durante la conversación con FashionUnited habló del oficio, los tiempos de producción y la disciplina que requiere operar con estándares internacionales evitando cualquier enfoque aspiracional y aterrizando en lo concreto: el posicionamiento se construye con constancia, control del proceso y una identidad capaz de proyectarse fuera del mercado local. Lee el artículo completo aquí Emprendimiento español en Dubái Vista panorámica de Dubái (Emiratos Árabes Unidos). Credits: Visit Dubai. Esta serie reunió las voces de Montroi, Coma y el ICEX para trazar una mirada completa sobre el salto de empresas españolas a Dubái. A partir de casos prácticos y del análisis institucional, el recorrido pone el foco en las variables que determinan el éxito en el mercado: desde la adaptación al consumidor local y la construcción de un posicionamiento claro, hasta la gestión logística y la necesidad de aterrizar con un plan comercial sólido. En un entorno altamente competitivo, que opera tanto como destino final como puerta de entrada a la región, Dubái exige estrategia, estructura y capacidad de ejecución. Emprendimiento español en Dubái: Montroi Emprendimiento español en Dubái (II): Coma Emprendimiento español en Dubái (III): habla el ICEX Minerva Alonso (GCSW): “Hemos paralizado las iniciativas de promoción en los Estados Unidos” Minerva Alonso, consejera de Desarrollo Económico del Cabildo de Gran Canaria, durante GCSW 2025. Credits: Gran Canaria Swim Week. En octubre, Minerva Alonso, consejera de Desarrollo Económico del Cabildo de Gran Canaria y responsable de la pasarela de moda baño de referencia en Europa, explicó en conversación con FashionUnited la decisión de frenar temporalmente las acciones de promoción en Estados Unidos. La medida, lejos de responder a una retirada, evidenciaba un reajuste estratégico ante un entorno incierto. Lee el artículo completo aquí Ámsterdam, más allá del "hype": el mercado que seduce a las marcas españolas… y las pone a prueba Collage realizado por la autora para ilustrar el artículo. Credits: Alicia R. Sarmiento // FashionUnited. Ámsterdam se ha consolidado como un mercado clave para las marcas españolas que exploran su expansión internacional, no tanto por su tamaño como por su capacidad para validar modelos de negocio. En conversación con Michelle Paratore, partner especializada en retail y private equity de la prestigiosa consultora Bain & Company, que lleva más de veinte años asesorando tanto a líderes consolidados como a marcas emergentes en la región profundizamos en por qué la capital neerlandesa, con un consumidor exigente y una fuerte cultura de marca, se ha convertido en un entorno de prueba donde la coherencia entre producto, posicionamiento y precio resulta determinante. Lee el artículo completo aquí Descifrando las tendencias FW26 y nuevos hábitos de consumo: estas son las predicciones de Heuritech Heuritech situó la temporada FW26 en un escenario en el que la lectura de datos y el uso de inteligencia artificial dejan de ser un complemento para convertirse en palancas estratégicas: herramientas que permiten anticipar tendencias y ajustar la oferta al pulso real del consumidor. La conversación profundizó en cómo se capturan señales digitales a gran escala —desde imágenes hasta comportamientos de interacción— y cómo esa información se traduce en patrones accionables que impactan directamente en decisiones de producto, surtido y comunicación. El mensaje final apuntó a un cambio de paradigma: la creatividad no desaparece, pero opera cada vez más apoyada en modelos predictivos que ayudan a reducir el riesgo, afinar la ejecución y tomar decisiones con mayor precisión en un mercado de ciclos acelerados. Lee el artículo completo aquí Pantone responde a la controversia del Color del Año Pantone ‘Cloud Dancer’ Credits: Pantone by The Development Pantone eligió el blanco como Color del Año y el debate no tardó en encenderse. En conversación con FashionUnited, la institución defendió la lógica detrás de una decisión que va más allá del gesto simbólico: sus elecciones influyen en la planificación creativa y en la toma de decisiones comerciales de múltiples industrias, incluida la moda. La entrevista abordó cómo se construye el consenso cromático y qué variables culturales, sociales y de comportamiento del consumidor intervienen en el proceso. En ese marco, el color se planteó como una herramienta estratégica: un lenguaje común que conecta industria y mercado, traduce el contexto global en códigos visuales y, año tras año, sigue marcando agenda dentro del sector. Lee el artículo completo aquí “Fue una conversación honesta y sin tabúes”: por qué Adolfo Domínguez vuelve al cuero A pocos días de cerrar el año, Adolfo Domínguez anunció su decisión de reintroducir la piel en su propuesta de marca, una medida especialmente significativa por el peso simbólico que tiene en su trayectoria. En 2010, la firma se posicionó como una de las pioneras en España en adoptar políticas vinculadas al bienestar animal, por lo que el giro reabre un debate sensible dentro del sector en torno a sostenibilidad, coherencia de marca y expectativas del consumidor. En conversación con FashionUnited, Antonio Roade, director de Sustainability and Positive Impact de Adolfo Domínguez, explicó cómo se abordó internamente una decisión de alto impacto reputacional y qué criterios guiaron el proceso, en un contexto en el que las estrategias ESG conviven cada vez más con la presión comercial y la evolución de los códigos de lujo y producto. Lee el artículo completo aquí

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Vestidos midi, metalizados, blazers estructurados y texturas sofisticadas marcan las tendencias para las celebraciones de cierre de año.

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Recibir el 2026 bien vestido es, para muchos, una forma de autocuidado y un gesto simbólico particular de celebrar la vida.

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La moda de 2026 deja atrás la revolución y apuesta por el regreso de los clásicos, con accesorios protagonistas y colores renovados.

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Los imprescindibles que todo hombre debería tener Las tendencias apuntan a los diseños minimalistas, funcionales y tecnológicos, combinados con toques clásicos que nunca pasan de moda

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La chaqueta que usó Gustavo Petro en Navidad fue un obsequio de algunos habitantes de calle. Conoce la historia que hay detrás de esta prenda.

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La diseñadora española inauguró en el Museo Torres García una retrospectiva que reúne cuatro décadas de su trabajo en moda y diseño.

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Con la quinta temporada ya en Netflix, la diseñadora de vestuario de Emily in Paris expresó su interés por sumar talento latinoamericano al vestuario

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La bolsa viral de la marca logró generar ventas que rondaron los US$29 millones tan solo durante el desarrollo del año pasado, consolidándose como un producto exitoso

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La incorporación de la camisa Charvet en el más reciente desfile de la maison Chanel puso nuevamente en el plano la importancia histórica de esta prenda como símbolo de tradición

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El mercado de los perfumes en el mundo alcanza un valor de US$76.710 millones y durante 2025 hubo lanzamientos que se posicionaron entre los mejores del año

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La forma de vestir, de años anteriores, salió de las redes sociales y llegó a las oficinas, impulsada por las nuevas generaciones y la flexibilización

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La firma inaugura su primer espacio en Colombia, con una propuesta estética inspirada en el legado del diseñador.

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El punto a reabrir cuenta con un área total de 30,8 metros cuadrados, en los que se requirió una inversión de $332 millones

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Una idea universitaria, años de deuda y una apuesta por el lujo convirtieron a Monastery en un fenómeno internacional El artículo Quiénes se inventaron Monastery, la marca de lujo paisa que viste a las estrellas fue publicado originalmente en Las2orillas. Copyrights Las2orillas.co

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En Bogotá hay un lugar en el que se pueden conseguir sacos navideños desde 35.000 pesos para que no quede como un 'Grinch'.

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¿Cómo quedó el negocio de Larry López tras millonario robo de mercancía y computadores? | Robaron fábrica de Society Boots.

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Colaboraciones de autor con marcas 'masivas' han permitido que propuestas consideradas de lujo por si calidad lleguen a públicos más amplios.

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La renovación de las universidades requiere integrar de manera estructural las humanidades en el currículo, las pedagogías y el proyecto institucional. Sin humanidades no hay formación crítica, ni universidad con sentido, ni futuro democrático posible. The post ¿Puede existir una universidad sin humanidades? appeared first on La Silla Vacía.

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La apertura del nuevo formato de tienda y el lanzamiento del Digital Flagship local consolidan la apuesta de la marca por el mercado colombiano.

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Desde un laboratorio de la Universidad de Medellín, Esteban Pinillos logró crear una colección que llegó hasta Colombiamoda.

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Bucaramanga vivirá una jornada diferente este domingo 21 de diciembre, cuando el centro comercial Parque Caracolí se transforme simbólicamente en una playa para recibir Taganga, una experiencia de bienestar que promueve la conexión con el cuerpo, el movimiento consciente y la salud emocional. La actividad se desarrollará a partir de las 8:00 de la mañana […] La entrada Bucaramanga vivirá una jornada de movimiento y conexión con la experiencia Taganga se publicó primero en Oro Noticias.

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En entrevista con EL TIEMPO, la diseñadora revela las referencias clásicas y contemporáneas detrás del vestuario de la nueva temporada.

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Cómo es la nueva tienda de Seven Seven en Unicentro y cambio en tienda de centro comercial en Santa Marta | Quién es el dueño de Seven Seven

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El nuevo espacio refuerza la estrategia de expansión de la compañía en el país, mientras la colección FW25 refleja el ADN contemporáneo de la marca.

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El regreso del estilo de los años noventa refuerza esta idea. Corbatas, trajes de líneas rectas y siluetas minimalistas vuelven a dominar las pasarelas

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Esta apertura hace parte de la estrategia de Lacoste para consolidar su presencia en la región.

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La moda Primavera - Verano demostró que tonos como el Mocha Mousse y el Negro Profundo fueron los favoritos.

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En sus vacaciones por Hawái la paisa sorprendió al cortarse el cabello ella misma y estrenar un nuevo look que ha conmocionado a sus fans.

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En 2026, la moda urbana en Colombia y Latinoamérica combinará comodidad, funcionalidad y autoexpresión.

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Cinco estilos de faldas que están ‘en boga’ Dignas de estilización, sofisticación, versátiles y delicadeza, estas piezas regresan para empoderar aún más a las féminas

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Expertos explican cómo la pandemia impulsó el auge de la ropa funcional, qué factores impulsan esta tendencia y cuáles serán las apuestas para 2026.

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Es importante destacar que para conseguir la apertura de este punto físico en Bogotá, representó una inversión aproximada de US$500.000

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El shapewear gana terreno en la moda colombiana con prendas versátiles y cómodas que redefinen el control de la figura en temporada festiva.

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Vassar vuelve con una nueva edición repleta de opciones creativas para encontrar los mejores regalos de Navidad. Ideal para todos los presupuestos.

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La creadora de Etnia Contemporánea, Victoria Sánchez, habló de la nueva colección, los planes de expansión de la empresa y de cómo cerró el año este proyecto en ventas

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La sexta edición del evento empezará el 11 de diciembre con una agenda que combina moda, música y experiencias creativas.

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En esta Navidad las celebraciones brillan con glamour; los tonos tendencia inspiran a las personas a combinar estilos elegantes durante la noche.

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